Total Zob Soundsystem

Ford, Lopatin, CFCF = amour

2011-03-14T22:28:00.001+01:00

CFCF - It was Never Meant to be (Games Remix) from Franck Deron on Vimeo.

J'aime bien ce morceau

2010-06-09T23:23:00.001+02:00

Solvent - "Loss For Words" Video from Ghostly International on Vimeo.

Une leçon de Matmos

2010-06-02T16:13:00.001+02:00

Morgan Geist, ses vomis et 9/16 du travail de fait

2010-04-01T14:11:00.002+02:00

Interview: Morgan Geist

Ce qui est classe

2010-03-19T01:47:00.001+01:00

Demain est arrivé

2010-01-29T14:10:00.004+01:00

Alors ça y est : le disque que j'attendais le plus en ce début d'année est arrivé (avec de l'avance) : la version studio de l'opéra electro composé par le groupe suédois The Knife sur L'Origine des espèces, pour les 150 ans de la parution de l'ouvrage de Darwin. Le cd sortira un peu plus tard mais les précommandes et la version digitale sont déjà disponibles sur le site du label créé par le groupe. La version mp3 est un gros paquet de 200 mégaoctets, qui comprend les 90 minutes de musique produites par le groupe (en collaboration avec Mt. Sims et Planningtorock), une image de la pochette et un livret numérique.

La première écoute a été un peu déroutante, puisque la première partie de l'album rompt presque complètement avec le son pop du groupe, et propose une série d'expériences sonores qui prennent pour modèle les différents aspects du concept d'évolution. L'album s'inspire en fait de différentes sources : les écrits de Darwin lui-même, c'est-à-dire ses ouvrages scientifiques, ses notes de voyage et sa correspondance, en particulier les lettres échangées avec sa famille, ainsi que certaines gloses contemporaines de ses théories, dont les fameux ouvrages de Richard Dawkins, Le Gène égoïste et L'Horloger aveugle. Les écrits de Darwin sont utilisés à diverses reprises dans le livret, ils fournissent par exemple les accents pathétiques des passages évoquant le deuil de Darwin après le décès de sa fille de 10 ans. Les travaux de Dawkins sont mobilisés à des fins plus pratiques : ils ont suggéré aux musiciens des idées de production : les sons, qu'ils soient issus de synthèse électronique ou des enregistrements de bruits recueillis par Olof Dreier dans la forêt amazonienne, se reproduisent, se modifient progressivement au fil des duplications et construisent ainsi un parcours musical évolutif. Par ce système de dérivations successives, le disque condense en 90 minutes une histoire qui nous conduit du magma sonore des premières pistes, très orientées musique concrète, au son pop percussif et répétitif auquel on s'attendait initialement, ici cantonné à la dernière demi-heure, en passant par les chants des oiseaux.
Cerise sur le gâteau, le groupe a complété ce projet en publiant le disque sous le régime des "Creative Commons Attribution-Noncommercial-Share Alike 3.0 Unported  License", ce qui le rend susceptible de toute forme de duplication/modification tant que celle-ci se fait dans un but non lucratif.Logique, compte tenu du climant théorique dans lequel baigne ce bel album.
Pour finir deux choses : un lien vers le site du groupe, ou un morceau  (très touchant)est proposé en téléchargement libre en échange d'une inscription à la newsletter du groupe, et où le disque entier est accessible en streaming, et ceci, plus étonnant mais indispensable, une table ronde des musiciens du groupe autour de ce disque (la mise en scène promotionnelle de ce groupe par lui-même est toujours très futée ) :

Ring of voodoo

2009-12-10T14:49:00.002+01:00

JUSTUS KÖHNCKE - TIMECODE

2009-11-17T18:23:00.003+01:00

Richie, ce couillon

2009-05-13T15:59:00.004+02:00

J'aime beaucoup Richie Hawtin, pour plein de raisons. C'est un pionnier, qui explore de nouvelles technologies, qui réfléchit à la culture qui accompagne sa musique, et qui a produit de nombreux et excellent disques. Mais, c'est aussi un puits insondable d'idées complètement pourries. Fact Magazine en propose un excellent inventaire.

make sure nobody steals your beats. (Joke)

2009-02-28T12:31:00.002+01:00

Dr-110
Originally uploaded by james_holden.

James Holden a ouvert un compte flicker. Ceci est sa nouvelle boîte à rythmes. Sacré lui!

La mixtape d'outre tombe

2009-02-14T16:15:00.004+01:00

La sélection parle d'elle-même, et ce qu'elle dit ne veut rien dire. La preuve :

1/ Tom Dissevelt - Syncopation (Alternate Version)
2/ Chateau Flight - Grn Aventurine
3/ Mathématiques Modernes - Jungle Hurt
4/ Alan Braxe et Fred Falke - Arena
5/ Pluxus - Bootstrap
6/ Camille Sauvage - Enferissimo
7/ Brooks - Tell Somebody About Us
8/ They Came From The Stars I Saw hem - The Hot Inc. (MoscoW Dub Remix)
9/ Baby Oliver - Shot Caller
10/ Rossell Feat. Emma - Dancing With Strangers feat. Emmma (Lifelike Mix)
11/ Hiltmeyer. Inc. - Synthipopu
12/ Pino Donaggio - Through The Streets Of Venice
13/ Paul Mc Cartney & Wings - Uncle Albert/Admiral Halsey

Cliquète donc par ici, si ça te tente

Parce que nous avons tous en nous un clown triste

2009-02-04T15:23:00.002+01:00

Moi aussi j'aime être ému. La preuve :

Morgan Geist "Ruthless City" from Noah Conopask on Vimeo.

Il est bath

2008-11-25T17:58:00.002+01:00

James holden : sa tête est vraiment bizarre, mais il m'est bougrement sympathique. Allez voir son site : http://www.jamesholden.org/
Le texte du 23/09/08 est vraiment nickel, je voudrais que tous les artistes racontent comme ça leur musique. en tout cas ça m'a donné vraiment envie d'écouter un remix de radiohead. Je ne croyais pas cela possible.

Plaisir coupable

2008-05-30T22:39:00.002+02:00

Radiophonatron

2008-05-09T17:33:00.002+02:00

cool titre du jour :

2008-04-18T12:33:00.003+02:00

Guillaume and the Coutu Dumont : Le Crew Normand EP

c'est un disque Karat, chez qui on avait déjà pu relever un sympathique "Les Cerveaux Lents".

Et pour faire bonne figure, un vieux titre de Guillaume and the Coutu Dumont, Les Gans, en mp3. parce qu'en plus musicalement c'est pas mal .

Plus de pochettes DC Recordings

2008-04-14T15:23:00.004+02:00

J'aime vraiment beaucoup la ligne graphique de ce label. ça donne envie.

Das Ding

2008-03-29T11:35:00.000+01:00

Encore un mix

2008-02-22T14:30:00.003+01:00

Bigre, mes copains, que je n'ai pas le temps d'écrire!

c'est bien triste.je voulais dire un mot sur le mix refusé de Justice, pour signaler le jeu qui s'y développait sur la notion de "goût", afin de souligner le privilège que les deux musiciens s'octroyait d'inclure des morceaux de musique populaire (type balavoine) à côté de trucs de variété pour connaisseurs et de morceaux électro "hype" du moment. Je voulais faire remarquer que cette tape exprimait bien l'esthétique de ce groupe qui feint de ne pas faire de différence, prérogative bien aristocratique s'il en est. mais je n'ai pas le temps en ce moment, à vous de vous faire une idée là dessus, je pense que le mix n'est pas particulièrement bien dur à télécharger, en plus c'est plutôt sympa à écouter.

j'ai juste eu le temps de faire une tape dans mon coin, avec plein de retard sur le moment où je voulais la faire. la voilà:

1. Masking - Legowelt & Unit Black Flight
2. Movin' In (Brennan Green's Movin Out mix) - Jamie Lloyd
3. I Say Mista - Tensnake
4. Fingerfood (Major Swellings Skinkerytter Miks) - Elitechnique
5. White Elephant - H.O.S.H.
6. Like A Fish In Water (Nhar Remix)-Masaya
7. Untitled A1 - Kassem Mosse
8. So Electric - Lifelike
9. Ready For The Floor - Hot Chip
10. The End (Sound Mix) - The Splash Band

à télécharger ici.

bye

La mixtape de la nouvelle année

2008-01-04T18:00:00.000+01:00

1. Rael - Ce sera beau, ce sera la Terre
2. Professor Genius - Mystery Driver
3. San Serac - Tyrant (Polygamy Boys Remix)
4. Hiem - Clubscene Popscene (A Just Us Diskopop version)
5. Shit Robot - Lonely Planet
6. Rainer Weichhold - Very Nice (Michoacan Remix)
7. Karmina - Wonder 21 (Mathew Jonson's 21 roses mix)
8. Jerry Goldsmith - Quiet Evening
9. Wendy Carlos - Orfeo Suite (Monteverdi)
10. Future Loop Foundation - The Sea And The Sky (Padded Cell Remix)
11. Dominique Leone - Clairevoyage (A Medley Performed By The 16th Rebels Of Mung)

link

Et bonne année bien sûr!

Too Beautiful

2007-11-30T21:33:00.000+01:00

La mixtape de novembre:

1/ Bobby Darin - Not For Me
2/Rodion - Electric Soca (Cosmo Vitelli remix)
3/Christian Prommer's Drumlesson - Rex Drums
4/ Alan 1 - Apollosamba
5/ The Immortals - The Ultimate Warlord
6/ Eedio - Eno
7/ L.A. Priest- Engine
8/ Mu-ziq - Droops
9 The Small Faces - Itchycoo Park
10/ Michoacan - Lovers In The Air
11/ John Foxx - Burning Car
12/Fairmont - Flight Of The Albatross
13/Maximilian Skiba - Bye Bye C64

clique pour télécharger

Avec une petite vidéo:

c'était demain

2007-11-13T18:08:00.000+01:00

Post citrouille

2007-10-31T16:47:00.000+01:00

J'aime pas trop blogger deux fois en deux jours, mais je voulais marquer le coup pour Halloween, avec une petite sélection électro flippante, à écouter en tremblant et en dansant. Rien de bien rare, mais si vous ne les avez pas, chopez les.

Arpanet - Event Horizon

Stefan Goldmann - Sleepy Hollow

LFO - Jason Vorhees

The Emperor Machine - Fear Of A Woman

Legowelt - Dimension Doors

Je pense me remater ça ce soir, c'est mon chouchou (y compris pour son excellente musique):

Resistance non futile

2007-10-30T16:00:00.000+01:00

Hello,

Vous avez peut-être déjà lu l'excellente (et rarissime, le journaliste dans la version papier de l'article relate le périple ayant précédé l'entretien, qui a failli ne pas avoir lieu) interview de Mike Banks, plus connu sous le pseudo Mad Mike, grand manitou d'Underground Resistance (site mignon à cliquer ici). J'avais déjà mentionné la fraîcheur de ses propos il y a quelques mois, et ce que j'ai lu dans The Wire m'a conforté dans ma sympathie profonde envers cette personne. Plus d'une remarque me semblent aussi simples que pertinentes:

1/ on mentionne souvent le fait que la techno est née à Detroit, ville industrielle par excellence, et en général ça aboutit à des platitudes sur l'influence que ça a pu avoir sur l'esthétique musicale de ces artistes. Ici, Mad Mike choisit de développer un parallèle plus riche entre la situation de l'industrie automobile de Detroit au sein de l'industrie automobile mondiale et la place qu'occupe la techno de Detroit au sein de l'économie musicale électronique mondiale. L'homologie est intéressante, d'autant plus qu'elle rattache la vitalité commerciale de la techno a une approche particulière de la technologie comme base de la popularité de sa musique. Au fond, musicalement, la techno de detroit n'a pas révolutionné la façon d'écrire de la musique, mais a su cristalliser un mode de production original, détaché de l'approche intrumentiste conventionnelle, qui utilisait les outils électroniques comme simple intermédiaires pour réaliser les idées écrites au préalable. C'est comme ça qu'on peut comprendre que Mad Mike assemble un petit "bullshit museum" où il expose les vieilles machines utilisées par les figures historiques de la techno de Detroit. ça m'a rappelé une discussion que j'avais eue avec un ami où on se disait que, dans certains cas, ce qui définit un genre en musique électronique, ce n'est pas un set de qualité esthétiques (la disco par exemple, est définie dans la wikipedia ainsi "Disco songs usually have soaring, often reverberated vocals over a steady four-on-the-floor beat, an eighth note (quaver) or sixteenth note (semi-quaver) hi-hat pattern with an open hi-hat on the off-beat, and a prominent, syncopated electric bass line. Strings, horns, electric pianos, and electric guitars create a lush background sound. Orchestral instruments such as the flute are often used for solo melodies, and unlike in rock, lead guitar is rarely used"), ni par un usage social (comme la "house music" dont le nom est tributaire de l'endroit où elle était jouée) ni même un dispositif technique particulier (des pratiques comme le clicks'n'cuts par exemple), mais un certain rapport à la technologie de production. Ainsi, entre les vieux classiques de house façon chicago des années 80 et la première génération de techno de Detroit, il n'y a pas de grande différence musicale. Pourtant, quand le terme "techno music" est apparu, il a su mettre en évidence le changement de paradigme qui fonde la grande influence de ce terme sur la musique électronique. En réalité, aucun outil spécifique n'avait été créé, mais l'idée de développer sa musique en prenant strictement le parti pris des machines a suffi à faire naître un genre nouveau, déclinable à l'infini en sous-genres divers. Ce effet de cristallisation du concept explique à mon sens la permanence de l'idée selon laquelle la musique électronique est un genre tout récent, apparu dans les années quatre-vingt, les travaux antérieurs étant relégués au statut d'influences et de pionniers.

2/ Mad Mike donne des explications sur sa politique d'anonymat qui diffèrent des interprétations très abstraites qu'on en donne parfois (souvent axées autour d'une dissolution de la figure de l'artiste au profit de la musique "pure"; en réalité, si ça peut coller à des projets tels que Drexciya, ça ne cadre pas vraiment avec la vision très humaine de Mad Mike, même s'il évoque aussi cet aspect): il perçoit qu'une forme de transaction symbolique s'instaure entre les consommateurs de sa musique et les producteurs, et essaye de maintenir une aura de mystère qui accroît le capital-prestige de sa musique. Raisonnement très terre à terre mais manifestement efficace, vu la longévité du label. Il revient sur ce point à plusieurs reprises, et distingue assez finement le besoin d'avoir une figure d'autorité forte (un label qui fonctionne littéralement comme une étiquette, un producteur charismatique) et le danger d'avoir une musique dépendante d'un personnage dont les caractéristiques finiraient par déborder la musique elle-même.

3/ Il maintient sa conception très utopiste de la fonction politique de la musique, ce qui d'autant plus louable qu'il est très impliqué dans le tissu social de sa ville, et donc au fait des réalités de la vie. Underground Resistance fonctionne parfaitement comme une petite entreprise brassant des enjeux très divers: il y a une dimension économique, en ce sens que le label est vraiment là pour aider des musiciens à payer les factures en leur assurant une visibilité suffisante, une dimension symbolique, en ce sens que le label entend développer un certain discours sur la société, et une dimension plus simplement sociale, qui concerne l'action très spécifique du label sur son contexte propre, Detroit. C'est pourquoi Mad Mike insiste autant sur le feedback qu'il reçoit, et sur le poids que cette popularité très forte quoique spécifique donne à sa propre parole dans sa ville. à la fin de l'entretien on comprend vraiment pourquoi il croit que la musique peut changer les choses; il agit vraiment en conséquence de ce principe. L'excellence musicale (il réfléchit en terme de nécessité naturelle à l'oeuvre dans ses morceaux, qui semble même lui échapper, à la façon du poète saisi par l'inspiration), l'exigence de produire la meilleure techno possible, compte vraiment dans son action sociale.

4/ Sans vraiment le formaliser, Mad Mike offre quelques idées intéressantes sur la façon dont la musique transite, crée de l'information et ouvre des perspectives. ça l'amène a percevoir des phénomènes abstraits comme les différentes échelles de la mobilité urbaine à travers son activité de musicien, par exemple; tant et si bien qu'il en arrive à interpeller des personnalités politiques pour critiquer des projets de construction de route, pour promouvoir un développement des transports en commun de proximité. Il rattache cette prise de conscience à sa propre activité de voyageur, directement liée à son activité de musicien.

5/ j'aime le fait qu'il s'applique à faire qu'Underground Resistance reste une entité dont le but principal est de sortir des disques. ce qu'ils font plutôt bien en plus. Et comme le journaliste de The Wire, je vais laisser le mot de la fin à Mad Mike: "We're still making cutting edge shit, man, it's wild shit, man, it's raw, I love that ghetto perspective on space and time and the future, because it's warped like a motherfucker, and as long as they're making it, I'll put it out."

Et pour finir, une deuxième fois, ce message, une tape de bon aloi:

"Transaction annulée":
1. Lawrence - Rabbit Tube (Dj Koze remix)
2. Someone Else - Carespray
3. Stimming - Get out of something
4. Three Dog Night - It's for you
5. Box Codax - Rat Boy (Mock & Toof mix)
6. Toby Tobias - A Close shave (Brontosaurus remix)
7. Fabrice Lig - X-Slaves who changed the world
8. FPU - Seven Of Nine
9. Jori Hulkonnen - Fermi Paradox
10. Marco Passarani - Clair

clique pour l'avoir

Joyeux Anniversaire!

2007-10-20T00:08:00.000+02:00

Joyeux anniversaire, disque.

tu portes bien tes 26 ans. bel âge, par ailleurs.

je vais revoir ton mindbending clip, pour commémorer l'évènement:

livraison mensuelle

2007-09-30T14:31:00.000+02:00

Une petite mixtape de 55 min, pour garder le rythme. La sélection ne frappe pas par sa cohérence, mais c'est ce que j'écoute en ce moment.

tracklist:
1. Roy Orbison - Only The Lonely (Know The Way I Feel)
2. Black Mustang vs. Kerrier District - Mad As Hell
3. Tensnake - Mad Dog
4. Division By Zero - Boulderdash
5. Photocall - Silver Clouds
6. Bangkok Impact - Junge Dame (Bangkok Impact Remix)
7. Cosmo Vitelli - Delayer
8. Kuniyuki- Earth Beats (Chateau Flight main mix)
9. Jean-Jacques Perrey & Luke Vibert - Moog Acid (Jackson Mix)
10. Artist Unknown - Masheen

à télécharger ici: http://www.mediafire.com/?fb5zxddmujd

Un peu de musique virile...

2007-09-21T20:14:00.000+02:00

...avant d'aller voir chabal casser du rouquin, avec un petit clip de Dennis Parker. On peut entendre le morceau dans la dernière émission de Beats In Space, avec Citizen Kane (c'est lui qui joue le morceau) et les deux gars de Metro Area. Vivement recommandé, of course. Il semblerait d'après un rapide coup de google que le Dennis en question soit un acteur de cul décédé. Etonnant non?

An Apple A Day...

2007-09-20T19:18:00.000+02:00

En vrac:

L'excellente série de photos permettant de voir les living-rooms des djs allemands, le lien est dans les liens, vient apparemment de recevoir un successeur. Dans la première série j'avais bien aimé le studio de Dj Koze, avec sa vieille sandale qui traînait au premier plan. Dans la deuxième partie je retiendrai le fauteuil orange de Michael Reinboth, dans un océan de disques, le siège pdg et la table de bois sombre de Dixon, et la chambre de Dominik Eulberg qui donne l'impression qu'il vit encore chez ses parents, avec son petit lit douillet à droite. C'est vraiment très sympa à mater, ça permet d'avoir une appréciation un peu plus complète des modes de vie qui se rapportent à ces musiques. On peut voir si l'espace est structuré par le travail, l'écoute, le confort, ou simplement l'effet esthétique recherché. Forcément on rattache ça à ce qu'on connaît de ces musiciens, et ça influence l'écoute future de leur morceaux. Il me sera difficile de ne pas trouver la musique de Steve Bug un peu clinique et aride à l'avenir. A l'inverse, je serai désormais tenté en écoutant du Âme de me poser dans un bon siège et de me décapsuler une petite bière en m'imaginant être dans son salon à mater sa petite télé.

Pour poursuivre dans les plaisirs des yeux, j'ai envie de crier mon amour pour les pochettes des disques DC Recordings:

Je ne sais pas qui est l'auteur de ces superbes pochettes, mais en tout cas, il me donne sacrément envie d'acheter ces beautés en vynil. Il est de plus en plus difficile de vraiment avoir envie d'acheter de la musique. J'y reviendrai dans les prochains jours. Pas envie de m'étaler là dessus maintenant, je suis fatigué.

Pour finir, je vous donne gratos un morceau qui ne m'a rien coûté. En fait je vais même vous renvoyer vers la page où on peut le choper: le myspace de Roland Appel. Vous avez peut-être entendu son morceau Dark Soldier, qui reçoit des éloges en pagaye depuis quelques mois. Fort joli morceau ma foi, quoique le côté très solennel peut rebuter au début. Vous pouvez l'écouter sur le myspace. En dessous vous verrez un "Too Shy 2007 R.A. edit", qu'il donne librement. Il s'agit en fait d'un remix pirate du tube de Kajagoogoo, façon deep house, entièrement instrumental. Très mélodramatique, avec de la slap bass en pagaille, des nappes de synthés très enveloppantes, des riffs de synthé entraînants, des échos de guitares électriques qui montent et disparaissent régulièrement, c'est vraiment un chouette morceau, qui étend l'original sur sept minutes, de façon très sérieuse et pourtant avec toute la cheesyness de Kajagoogoo.

Kajagoogoo vs R.A. - Too Shy

Et l'original:

Bye

Post semi-cochon

2007-09-13T11:14:00.000+02:00

salut.
Je voulais faire un post spécial 11 septembre, le 11 septembre, mais depuis deux-trois jours je suis dans un état proche de l'Ohio, et ça m'est sorti de la tête. Bah, mieux vaut tard que jamais. Je me suis souvenu de Chris Korda, musicien (un temps affilié à International Deejay Gigolo Records) et fondateur de la Church Of Euthanasia. Il avait enregistré une chanson sur les attentats contre le World Trade Center. J'avais oublié à quel point ce morceau était fêlé. Sur son site vous trouverez le mp3, l'interview détaillant le message politique du truc, et un clip (fortement déconseillé aux enfants, pour cause de plans répétés de quéquette vivement sécouée). Les non-anglophones peuvent même retrouver une autre interview dans la langue de Poivre d'Arvor. Dans un autre registre, j'ai ajouté un lien à visiter, pour les fans de Richie Hawtin, Ricardo Villalobos, et consorts. C'est Ubercoolische. (merci à The Wire et Pierre, définitivement minimalicious). extrait (à la boulangerie):

Richie: Ricardo what kind of pastry should I get?
Ricardo: Well Richie I think the coolest pastry at the moment is definitely the eccles cake.
Magda: Ricardo, they dont have eccles cakes here, this is Ubercool Berlin, third coolest place in the world after Peckham and Bournemouth.
Richie: Well how about a hot cross bun but without the cross, you know like a deconstructed non-religious version. With just a little cinnamon and really plump juicy raisins in it. Kinda cool and minimal...
Magda: Richie, I think youve just hit on the coolest cake since the last coolest cake we got here!
Richie: Magda, how fucking cool is this?
Magda: Pretty fucking cool, Richie, and not just cool, but minimal cool!

à peluche.

Notes estivales

2007-08-25T18:00:00.000+02:00

Calabi-Yau!

Bonjour à tous

Après un mois sans communication téléphonique, sans internet, à bouffer des barbecues approximatifs étrangement préparés par mon père, à lire le télétexte la nuit en sirotant une bière, à bouquiner des choses mystérieuses sorties de cartons inconnus, à écouter les 700 et quelques mp3 jamais lus dans mon ordi, à revivre le parcours poignant des Beatles en intégralité, à chercher le meilleur porte-clés possible dans la maison, je suis parvenu aux conclusions suivantes:

L'autobiographie de Frank Zappa est très recommandable. Il y expose des vues pleines de bon sens, telle sa déposition lue devant une commission de sénateurs américains pour statuer sur l'étiquettage des disques à caractères licencieux, dans laquelle il explique qu'une loi anti-masturbation coûterait très cher et risquerait de remplir les prisons trop vite. Il explique aussi dans ce livre avoir baptisé un de ses enfants du surnom donné à un des orteils de sa femme. Et pour tous ceux qui se demandent pourquoi Captain Beefheart s'appelait ainsi, la réponse est dans ce livre, de la bouche même de Zappa. à lire.
écouter trois albums d'Animal Collective à la suite donne la migraine.
Le deuxième album de l'année sorti par Matthew Dear est très bon pour écouter à fond chez soi. d'une traite.
L'article de Philippe Coulangeon sur la stratification sociale des goûts musicaux, trouvé par hasard sur le net, est aussi illisible dans ses outils statistiques que clair dans ses rappels théoriques. Plus de détails après.
La nouvelle version d'Intervilles n'est pas très bien. Coup de chapeau à Monsieur Lepers malgré tout. Quel talent! Je pense par ailleurs que Marseille a ourdi un complot assez vilain pour disqualifier les candidats de Nîmes au mur des champions.
L'album de Black Strobe est définitivement bizarre.
Phantom part II de Justice est aussi sympa que la part I était irritante.
Quand Uffie se met à chanter j'ai envie de me crever les tympans avec un tournevis rouillé.
L'album de Pantha du Prince est un puissant narcotique.
Je n'ai pas la moindre idée de la façon dont If you leave me now de Chicago s'est retrouvé dans mon disque dur.
Bon film: A Boy And His Dog. Ne pas louper les dernières minutes.
Les petits mixs d'Optimo à choper sur leur site web sont vraiment chouettes.
Regarder le foot en crypté sur canal plus, c'est pas si mal, au fond.
Trouver du Dr Pepper au supermarché peut être le point culminant d'une semaine de vacances.
Le remix de Shackleton par Villalobos est très chouette.
D'après Pierre Bourdieu, la banane est aux fruits ce que le haricot blanc est aux légumes. Dans la même page (La distinction p. 20), il offre également les bases d'une sociologie des céréales. Avis aux chercheurs oisifs.
I'm A Cliché est un très bon label, malgré son nom et la présence d'un disque de Tacteel dans son catalogue.
France 3 aquitaine n'a pas parlé de la mort de Tony Wilson... Je l'apprends avec deux semaines de retard. J'étais allé le voir en conférence à Lyon, il y a trois ans. Il avait été vraiment passionnant...
j'ai décidé de changer de police pour les articles. On se lasse de tout à force.

Un peu de lecture:

Pour ce qui est de l'article (à télécharger en pdf) évoqué plus haut, "la stratification sociale des goûts musicaux", de Philippe Coulangeon, revue française de sociologie, 2003, qui se veut une spécification de la thèse développée dans les premiers chapitrees de la distinction de Pierre Bourdieu, je retiens sept points pour l'avenir:

1. les goûts musicaux sont une caractéristique particulièrement classante (en tant que culture non scolaire) socialement. cf. La Distinction
2. Peterson et Simkus, 1992, avancent l'idée selon laquelle l'éclectisme caractérise les goûts musicaux des classes dominantes ; c'est du moins la dynamique actuelle. L'attirance exclusive pour les arts savants renvoie à une forme de snobisme. (≠ La Distinction, Bourdieu y soutient que les formes de cultures les plus légitimes sont les plus classantes).
3. Dictinction entre produits consommés et manières de consommer, ainsi, le goût des classes dominantes pour les arts populaires relèvent d'un « privilège de symétrie dont disposent les dominants », en d'autres termes, un « droit de cuissage symbolique » (Grignon et Passeron, 1989).
4. Distinction entre les définitions génériques s'appuyant sur des critères esthétiques et celles qui prennent en compte des critères fonctionnels
5. L'importance de l'éclectisme n'est flagrante que si on la complète par une combinatoire des genres musicaux écoutés. L'éclectisme total n'existe pas de manière significative. (cf La Distinction, dont l'étude statistique sur les goûts musicaux permet de voir qu'à l'intérieur de chaque genre musical se rejoue la hiérarchie de la légitimité).
6. Peterson et Simkus: trois phases dans l'anoblissement d'un genre, la folk phase, phase d'identification communautaire, la pop phase, phase d'industrialisation massive de la production, et la fine arts phase, phase d'adoubement élitaire
7. l'éclectisme est, selon l'analyse statistique de Coulangeon, propre à un certain niveau économique. Cette contrainte économique, cela étant, ne s'exerce pas avec la même force selon le genre musical concerné.

En conclusion, il semble que la spécification apportée par l'article est une justification, par des statistiques relativement récentes, portant sur des auditeurs français, de la thèse de Peterson et Simkus, qui corrige la thèse de Bourdieu en minimisant l'importance de la légitimité des produits culturels dans la constitution des goûts. Selon Bourdieu, une production populaire ne peut être valorisée aux yeux d'une personne éduquée que si, dans son propre domaine (par exemple la musique électronique), elle a reçu une certaine forme de légitimation (par exemple, la musique d'Aphex Twin depuis qu'il a été invité par Stockhausen à jouer dans son festival). Coulangeon démontre que l'éclectisme des classes dominantes n'implique pas nécessairement cette validation annonciatrice de reconnaissance institutionnelle ; cela étant, cet éclectisme reste un privilège de classe. (nota bene: je ne vois pas trop en fait en quoi cela diffère de la thèse de Bourdieu, ça me semble être en fait exactement ce qu'il dit).
Pour ce qui est de la musique électronique, je pense que les points évoqués peuvent être facilement vérifiés:
1. la prédilection des journaux musicaux, de The Wire à Trax en passant par les Inrocks ou Pitchfork Media, pour les portraits en blind test ou en inventaires discographiques confirme l'hypothèse première.
2. Le contenu de ces portraits valide la seconde hypothèse (cf. portrait de James Murphy). Un blog tel que celui des Dirty Soundsystems, collaborateurs de Colette, prouve également le prestige de l'éclectisme.
3. Je me souviens d'une exposition Ninja Tune au Palais de Tokyo, preuve de l'attirance des lieux institutionnels huppés pour les musiques urbaines populaires. Ce n'est qu'un exemple parmi tant d'autres du « privilège de symétrie » des classes dominantes. Je suis sûr que vous avez vos propres exemples.
4. Le discours critiques sur la musique électronique mêle en effet des catégories classant la musique selon des caractéristiques esthétiques (house, techno, electro, etc) et des catégories classant selon la fonctionnalité, le mode de consommation (intelligent techno, IDM, dance, etc).
5. L'institution (revue, salle, label, etc) la plus éclectique n'est jamais complètement éclectique: un label aux activités et aux musiques aussi variées que Jarring Effects ne proposera pas de house filtrée façon French Touch, irréconciable avec ses prétentions politiques. De même, le Paris Paris ne propose pas de créneaux aux formes de musiques promues par Jarring Effects, même si des recoupements partiels sont possibles.
6. L'histoire de la techno valide cette affirmation numéro 6. La fac de musicologie de Rennes propose même un cours sur la techno.
7. Il est évident que l'éclectisme coûte des sous ; pas tant pour se procurer la musique, grâce aux téléchargements, que pour acquérir un tant soi peu de discours sur les musiques écoutées, sans quoi l'éclectisme serait purement arbitraire. Il faut donc, au minimum, acheter des revues, aller à des concerts, où on est susceptible de discuter avec des spécialistes, et se procurer quand même quelques disques, pour concrétiser son attachement aux genres pratiqués et avoir quelques gages de bonne foi mélomane.

J'en profite pour rajouter cet article de Laurent Tessier, daté de 2003. Il ne s'appuie malheureusement pas sur des éléments statistiques ni sur une enquête très méthodique, mais offre quelques pistes intéressantes sur le versant politique des cultures techno, en prenant pour objet les free parties. On peut déplorer quelques facilités, le rappel historique clairement orienté à la faveur de la thèse soutenue, par exemple (et pourtant l'auteur rappelle la difficulté réelle de tracer une histoire de la techno), ou le parallèle douteux entre les politiques publiques de gestion de la toxicomanie et la legislation sur les fêtes techno.
Ce qui me paraît surtout intéressant, c'est la volonté, que l'on peut relever dans de nombreux essais de théorisation des phénomènes techno, de vouloir poser la question de la dimension collective. Comme toute scène musicale, la musique électronique s'appuie sur un réseau de structures sociales spécifiques: labels, associations, salles de spectacles, boîtes, forums internet, presse spécialisée, etc. Laurent Tessier réfute la lecture communautariste du mouvement techno proposée par Michel Maffesoli (la fête techno comme retour de l'imaginaire orgiaque hippie), mais ne manque pas lui même de passer de la consommation musicale à la revendication d'un mode de vie collectif, fût-il l'opposé de celui décrit par Maffesoli. Pourtant, il ne me semble pas évident de vouloir voir de la communauté, qui plus est homogène dans toutes ces structures. Au fond, s'il y a un modèle social techno, à quoi ressemble-t-il? Dur à dire. C'est là que l'article de Tessier me paraît plus convaincant: il repère bien le caractère ad hoc du contenu idéologique des free parties, assemblage plus ou moins original de contre-culture punk et de collectivisme alter-mondialiste. Il relève, par exemple, que le collectif Technopol est né d'un besoin des organisateurs de lutter contre l'association des patrons de boîtes de nuit lyonnaises, leur rival auprès de la préfecture, et non pas d'une volonté de fédération communautaire. Chercher à lire un modèle politique dedans reviendrait à occulter l'implication très sporadique des différentes acteurs dans ce milieu (seule une fraction infime des teufeurs en font leur vie) et sur la dimension proprement élitaire de ce milieu, qui s'affiche comme réseau d'initiés.
Quoi qu'il en soit, ça mérite d'être lu et ça fait réfléchir aux connexions entre une scène musicale donnée et son contexte social d'écoute. Par exemple, qu'est-ce qu'un label? Voilà une sacrée question.

En vrac:

Au détour d'une rediffusion nocturne de Capital, j'ai appris que David Guetta facture ses prestations de Dj jusqu'à 25000€, que Bob Sinclar lui fait une ristourne quand il se produit dans les soirées Guetta, soit seulement 15000€ (même si dans le reportage, à la question « jouez-vous gratuitement pour votre ami David? », il répond « Bien sûr. ». C'est Guetta lui-même qui rectifie ce détail financier devant la caméra.), qu'une soirée Guetta à Ibiza coûte 35000€ à organiser et qu'elle rapporte un peu moins d'un tiers du cachet de David en bénéfice. Apparemment les bénéfices sont plus symboliques que financiers, une bonne soirée à Ibiza permet de faire fructifier par la suite les autres produits Guetta: prestations dj, parfums, disques, restaurants. On y a vu aussi David nous présenter son set-up de producteur, et soutenir qu'avec 5000€ de budget on est équipé à vie (il dispose visiblement d'une platine cd, d'un portable mac et d'un controller midi), ce qui ne manque pas de sel de la part d'un type qui devant les mêmes caméras de M6 il y a quelques années ne faisait pas mystère du fait qu'il ne produit pas lui-même sa musique (on le voyait donner ses consignes à Joachim Garraud et expliquer qu'il ne lui paraissait pas utile de faire lui-même ce que Garraud pouvait faire mieux et plus vite). Il nous a expliqué comment il en est venu à sortir son remix de Bowie (qui aurait « adoré » son remix), en expliquant que ce single était co-produit par lui et le management Bowie. D'après le journaliste, il perçoit 5% des royalties du morceau. Je ne sais pas si vous avez regardé, en tout cas, c'était rigolo, il force la sympathie le bougre, il faut bien l'avouer.
Un jour, j'ai vu un reportage sur Justice dans le journal de 20h de TF1. On les présentait comme le nouveau phénomène de la musique électronique (et la présentatrice, Lapix, s'est empressé d'ajouter, « une fois de plus, ce sont des français »). On les a vus toucher leurs ordis en public et parler autour d'un petit verre backstage, ils expliquaient que leur succès était dû au fait que, n'ayant pas de background electro, ils n'avaient pas à assummer l'héritage militant de ces genres. C'était étonnant comme réponse, la question devait être bizarrement tournée. Le journaliste en voix off soulignait aussi que le symbole de la croix contribuait au succès; le reportage concluait ainsi sur les visuels du groupe, un des deux gars disant qu'ils collaboraient étroitement avec un graphiste (leur profession initiale) pour définir « l'identité picturale » du groupe.

Et enfin, j'ai bricolé un deuxième mix, en assemblant une douzaine de morceaux dans Ableton Live. C'est un peu comme un film pour les oreilles, un film qui retranscrit avec brio l'intensité de ce moment délicat qu'est l'épreuve du feu de camp.

1. Ennio Morricone - Victima Pascbali Laudes
2. Cosmo Vitelli - Delayer (Quiet Village Remix)
3. Force Of Nature - Liberate
4. Jan Hammer - Crockett Theme
5. Antenna - Camino Del Sol (Todd Terje Remix)
6. Tricky Disco - Tricky Disco (Plone Remix)
7. Lucien N. Luciano - Una Cancion
8. Naughty - World Of A Woman
9. Random Factor - Convergence
10. Stereo Total - Das Erste Mal (Justus Kohncke Remix)
11. Afx - Analogue Bubblebath 4 (Track 2)
12. Baby Oliver - Hypocondriac
13. Chicago - If You Leave Now

c'est là: clic

bye

Pensées estivales

2007-07-21T22:13:00.000+02:00

Salut les loulous

dans deux-trois jours je vais disparaître en vacances; mais, avant de partir, je voulais vous laisser un peu de quoi penser. je me baladais dans last fm l'autre jour, et je suis tombé sur la bio française de Frank Zappa, qui comporte quelques citations. ce n'est pas ma passion, d'ordinaire, les citations, mais j'aime bien ça en fait, comme tout le monde, et celles-ci sont assez chouette. les voici, je n'ai rien trié, il y a du bon et du moins bon:

"Art is making something out of nothing and selling it."

"Communism doesn't work because people like to own stuff."

"Everybody believes in something and everybody, by virtue of the fact that they believe in something, use that something to support their own existence."

"I think it is good that books still exist, but they do make me sleepy."

"In the fight between you and the world, back the world."

"The United States is a nation of laws: badly written and randomly enforced."

"Without deviation from the norm, progress is not possible."

"Rock journalism is people who can't write interviewing people who can't talk for people who can't read."

"Information is not knowledge; Knowledge is not Wisdom; Wisdom is not truth; Truth is not beauty; Beauty is not love; Love is not music; Music is the best."

J'aurais pu écrire la quatrième, c'est troublant. La dernière est évidemment la plus marquante. La première est sans doute celle qui servira le plus en contexte mondain, pour distraire vos groupes d'amis chics.

Je dédie l'avant dernière phrase à feu Trax magazine. même si, apparemment le titre ne va pas disparaître des marchands de journaux.

Compagnon estival

2007-07-10T20:43:00.000+02:00

Bonjour à tous, pour meubler les longues heures de train, sur la route des vacances, ou juste pour tuer le temps dans les transports en commun, j'ai fait sur mon ordi une petite tape, une heure de musique majoritairement électronique. C'est assez deep dans l'ensemble, souvent house, parfois disco, avec un écart psychédélique et une fin new wave. Les morceaux sont parfois mixés ensemble, parfois posés les uns à côtés des autres, c'est décontracté. C'est bien pour se réposer, bien pour l'apéro, pour les fins de soirée très tardives, c'est bien pour travailler, c'est bien pour faire de la musique aussi. La plupart des morceaux sont assez récents, certains ont déjà été peut-être entendus dans le blog, ça rappelera des souvenirs aux lecteurs fidèles; ça sert aussi à ça l'été.

Les titres:

1. (Le Dangereux) Yoni - Intro
2. Force Of Nature - Traderoute
3. Kikiorix - Plastic House (Phonique Mix)
4. Justin Martin - The Fugitive
5. Kid D:ub - Genius (Sasse mix)
6. James Figurine - 55566688833 (Superpitcher & Tobias Thomas Mix)
7. Ajello - I wanna Be Italian Too (Maximilian Skiba mix)
8. Frank Zappa - Canard Du Jour
9. Solvent - My Radio (Extended Mix)
10. Orchestral Manoeuvres In The Dark - Bunker Soldiers

le lien: http://www.mediafire.com/?4umb0mb2slb

edit: on me signale que ce mix est bien aussi pour se sécher après une averse. à essayer chez vous.
edit 2: pour coudre aussi apparemment.

Traxthon

2007-06-19T21:29:00.000+02:00

Je ne pensais pas le dire un jour, mais je suis attristé d'apprendre que Trax est sur le point de disparaître, d'après ce qu'on peut lire sur leur blog. Il serait bon de garder un peu de presse spécialisée (même si Trax avait depuis un bout de temps cessé de se centrer sur l'electro pour ramasser tout ce qui pouvait être à la mode). Je propose à mes milliers de lecteurs une opération pour redorer le blason du magazine, avant leur audience devant le tribunal: allons tous acheter avec du vrai argent l'album de Tekilatex, leur gourou ventripotent, afin que leurs représentants puissent déclarer: "mais enfin votre honneur, les gens aiment vraiment ce dont on parle! regardez les chiffres!". Bon courage, je sais que ce n'est pas un geste facile que je vous demande. Et si jamais par malheur des esprits médisants se moquent de vous en voyant notre culbuto agressif préféré traîner sur votre étagère, n'oubliez pas de rétorquer: "oui mais c'est produit par Gonzalez". Effet garanti, les chiques se couperont instantanément. Ne vous sentez pas obligés de l'écouter pour autant. L'avenir de la presse musicale française repose sur vos épaules désormais.

Nuits sonores, bilan

2007-06-13T14:10:00.000+02:00

J’avais émis il y a quelques temps le souhait de faire le bilan des nuits sonores, et honnêtement l’envie m’en a passé. je vais quand même évacuer de mon bloc notes quelques impressions, un mois après:

Le fait d’installer pour les trois nuits les concerts aux subsistances n’a fait finalement qu’entériner la dualité musique électronique “dance”/musique électronique “cérébrale”, la première dans la cour la seconde dans le hangar, qui caractérisait déjà les années précédentes, mais que la circulation dans les gros sites du sud de la presqu’ile atténuait. Il a manqué à la programmation du plateau “dance” un poil d’audace pour vraiment avoir l’air d’autre chose qu’une grosse usine à danse au son foireux. Le spectacle est d'ailleurs assez rigolo quand on y réfléchit (je vous renvoie à ces pages de Bourdieu que j'ai scannées, en particulier la page 116 sur la danse comme "signum social"; c'est dans Le Bal des Célibataires). Il y a eu de bons moments malgré tout (j’ai bien aimé le set très simple d’audion, certains passages de james holden, l’enthousiasme d’agoria, la précision des arrangements du live d’Apparat). je n’ai pas assisté à la troisième nuit. la perspective d’un plateau programmé par le magazine trax ne m’enchantait guère, entre autres raisons. La scène du hangar était moins fréquentée: il faut dire que les temps d’attente entre deux concerts étaient un peu longs. je ne sais pas pourquoi ils ne switchaient pas vers un dj chargé de meubler les transitions avec une installation branchée en permanence dans un coin de la salle, comme cela se fait dans de nombreuses soirées à concerts multiples. D’autre part, les performances étaient assez hasardeuses. je pense qu’en caricaturant la programmation de ce plateau orienté “alternatif” on pourrait dire que cette musique électronique consiste principalement à aligner des femmes qui crient avec des synthés vintage sur des rythmes rockabilly. Ce n'est pas totalement injuste de dire ça, à mon avis. Dans cette partie là des nuits, j’ai aimé Large Numbers, le groupe de l’ex-Add (N) to X et Stereo Total. Je me souviens avoir entendu d’autres trucs pas mal mais en relisant le programme un mois après rien de précis ne me saute à l’esprit.

-en dehors des nuits j’ai pas vu grand chose. J’avais tenté la pré-soirée sur le toit de Perrache, la première carte blanche à New York, et je me souviens que Juan MacLean avait vraiment bien assuré malgré le froid et la pluie. A ce point là de la soirée le public ne savait pas qu'il allait passer la nuit entière sous des torrents de flotte, et dansait gaiement en plein air, sous la pluie. je me suis bien amusé.

-le concert dans la chapelle de la trinité était bien.

bon, voilà tout, comme ça c’est fait. la photo de james holden vient du site des nuits sonores.

Un petit morceau pour la forme:

Tundra - The Rivulet (Jesse Somfay delysid love mix)

Ce Tundra-là n'a aucun rapport avec le Max Tundra que certains d'entres vous connaissent (et qui sur sa page myspace offre un hilarant remix du "i was born to love you" de Freddy Mercury en téléchargement). Apparemment l'autre Tundra est néerlandais, de même que l'est le label ayant sorti ce disque, Manual Music. C'est surtout le remixeur qui est connu en fait, Jesse Somfay, qui sort des disques sur pleins de labels différents. Le titre original, écoutable sur un des myspace sus-liés, est une production tech-house d'une banalité à faire pleurer chantal. Le remix de Somfay en revanche...est difficile à qualifier. Le beat a quasiment disparu, la structure a explosé, il semble ne rester qu'un long fondu enchaîné de samples étirés jusqu'à dissolution, de synthés en voie de dérèglement, jusqu'à rupture, au bout de neuf minutes. Le descriptif musical de Somfay sur son myspace dit "Psychédélique/psychédélique/psychédélique". ça me paraît adéquat. On peut aussi penser à son titre que Michael Mayer avait sélectionné pour Immer 2, Lying In A Bed Of Myst, avec la profusion de delay et de reverb donnant cet effet de profondeur si particulier. ça peut saouler aussi. Mais je crois qu'il faut se mettre dans de bonnes dispositions; son site vaut le détour aussi, avec ce titre étrange:

"Eventually the Sun Will Radiate, Nestled within its Ghostly Corona, Once More"


On peut ne pas être d'accord avec ça

Promotion du futur

2007-06-01T18:47:00.000+02:00

Lcd Soundsystem offre des bouts de code à recaser sur son myspace/blog/etc sur leur page myspace, pour "spread the love". Comme c'est aimable!

Blogging paresseux: la suite

2007-05-30T17:35:00.000+02:00

Je me sens pas le courage de pondre plus de cinq phrases en ce moment, alors laissons les trucs cools d'internet remplir le blog à ma place: je viens justement de découvrir le podcast de Tiga.
J'avais lu ça et là que le montréalais était un gars assez rigolo, là on peut le vérifier facilement. Allez y pour vous claquer les jambons, et vous récolterez en plus en plus quelques références de disques sympa à noter. En termes de business b to b, je dirais que c'est une situation gagnant-gagnant.
Ne ratez pas l'interview chaotique de James Murphy par téléphone interposé dans le premier épisode, alors que le boss de dfa est dans sa voiture en train d'écouter un match de foot avec Nancy Whang. Il passe même de la trance (et invente même le terrifiant adjectif "trancetastic"...). et il est lui aussi fan de foot européen.
edit: la vanne sur le "génie" de digitalism est définitivement à ranger dans les points forts du truc.
edit edit: vous ai-je dit que je vais voir Battles en concert ce soir? je suis tout excité!

Un bon polar pour l'été

2007-05-25T00:08:00.001+02:00

Saviez-vous que Blevin Blectum est la soeur de Kelley Polar? c'est une des nombreuses choses que l'on peut apprendre dans cette excellente interview de Kelley. Par ailleurs on peut également apprendre plein de choses fausses, le bougre ayant un goût prononcé pour les anecdotes aussi fictives que rigolotes.

De quoi se mettre en appétit en attendant son album, dont le titre semble dévoilé dans l'entretien.

piloo piloo

2007-05-22T18:15:00.000+02:00

En attendant un petit bilan nuancé des nuits sonores, je voulais signaler l'excellence du mix réalisé par Pilooski pour Beats In Space, à podcaster, streamer, télécharger, faites comme bon vous semble.

Pour les amateurs de ce genre de sons, l'après midi du 9 juin au parc de la villette a paris devrait être pas mal: Black Devil Disco Club et Dirty Soundsystem en concert gratos dans le cadre du festival Villette sonique. j'y serai.

Quand le paris paris se moque de la plèbe

2007-05-05T14:21:00.000+02:00

c'est là .

Le Paris Paris décide se moquer un peu de la house de masse façon clamaran. le post est un peu étrange, avec cet avertissement selon lequel on doit endurer 2'30 de souffrance avant de pouvoir rigoler un bon coup. A l'arrivée, pas de quoi se claquer les jambons, mais au moins grâce à ce post, j'ai pu découvrir Grégory Talon, fan apparent du paris paris qui laisse son petit commentaire ironique. C'est bien, on fait d'une paire deux couilles: on en apprend un peu sur les mentalités des promoteurs de house populo et un peu sur la clientèle du paris paris. un clic utile en somme.

Musique pour fin de barbecue bucolique

2007-05-01T22:21:00.000+02:00

Le nouveau Kelley Polar se profile à l'horizon. ça s'annonce pas mal.

Il y a aussi une version quicktime: ici.

Environ records a signé un nouvel artiste aussi: Baby Oliver. à suivre. pour les amateurs de disco. c'est à dire tout le monde, que vous le sachiez déjà ou non.

Fais péter

2007-04-27T18:18:00.000+02:00

Je viens de lire une interview d'Alexkid, un poil complaisante et promotionnelle, mais qui contient une idée qui me trotte dans la tête en ce moment. Il souligne le fait que la musique électronique, même soumise à l'impératif d'être jouée en club, devrait être plus innovante. En effet, il est difficile à mon sens de ne pas partager de ce sentiment de ressemblance d'une grosse partie de la production électronique de club. Quiconque écoute une partie des sorties hebdomadaire, sur beatport par exemple, se doit de constater le nombre de morceaux absolument conventionnels, clones de hits de l'année passée, criblés de tics de production répétitifs, presets de synthés réitérés de maxi en maxi (je pense notamment à tous les remix de Claude VonStroke qui entretiennent à des degrés divers un air de famille avec son tube de 2006), et autres arrangements percussifs tapageurs mais un peu ennuyeux au fond.

il est intéressant de noter certains principes très peu remis en cause: construction par superposition de boucles, stabilité du beat (les breaks tels que celui du Drumtrax de Joakim où le beat ralentit puis réaccèlère soudainement sont peu fréquents dans les cultures techno ou house), combinaison boîte à rythme/synthé quasi immuable (on entend par ci par là un peu de guitare, quelques voix mais rien de significatif). Au fond, malgré la numérisation de la chaîne de traitement du son, on en reste à un système encore assez proche du set-up d'un groupe de synth-pop des années quatre-vingt. On peut considérer ce format comme une contrainte à l'intérieur de laquelle on peut déployer une forme d'expérimentation plus ponctuelle, finesse de la production, des réglages de synthés subtils, sampling, travail progressif sur la texture du son, intégration de voix, recherche du groove parfait, mais il est malgré tout notable que le refus de ces cadres de base signifie presque automatiquement la catégorisation "electronica", et donc un régime d'écoute différent. On sent certains producteurs mal à l'aise dans ce système, par exemple James Holden (extrait de son blog/site perso):

"i got lucky last week, music-wise. thursday, kieran hebden & steve reid totally blew us away - like the best rave-music set ever, and entirely played live. that's live as in: no sequencers, which requires balls.

i left that gig thinking they'd made me want to dance more than any dj i'd seen for years and a bit dispirited about techno which lasted until saturday when dj koze musically slapped some sense into me. he's the best dj of all djs. and also the funniest living german too. and his new song 'all the time' is amazing, beautiful post-techno."

Comme souvent avec son blog, en quelques phrases il fait jaillir pas mal d'idées sur la situation de la musique de club. Il note une relation de cause à effet entre le plaisir pris et l'absence de séquenceur (qui en gros garantit à lui tout seul deux des principes immuables notés précédemment, le système de boucles et la combinaison synthé/boîte à rythme). Il est vrai que le séquenceur, même virtualisé sous forme de logiciel, oriente déjà le genre du morceau et sa structure. Il est rare aujourd'hui d'échapper au système traditionnel intro-beat seul, pause, beat+synthé, répétition avec ajouts progressifs de boucles périphériques, break, montée et reprise du beat-synthé avec un gros synthé qui conclut le tout. Parmi les voies que ne semble pas prendre l'électro de club, il y a donc celle d'un rythme souple, joué de façon live autour duquel on pourrait imaginer le morceau se construire. La popularisation de la norme midi et la façon dont sont conçus la plupart des logiciels de musique (protools, digital performer, traktor, ableton live, logic...) peut expliquer ce constat, sans même évoquer les causes plus sociales de respect des attentes présumées d'un public.

Une autre voie que n'a pas empruntée la musique de club est celle de l'écriture intégrale de la partie mélodique. Si l'on peut concevoir qu'une musique voulant faire danser s'appuie sur un beat répétitif, facile à intégrer pour le public, il n'en va pas forcément de même avec l'idée de thème répétitif au synthé. Si dans certains cas cette répétitivité est combinée à un travail sur le son faisant apparaître une progression, il faut bien admettre que globalement la question n'est pas posée par le producteurs. La proposition d'un Frank Zappa dans Jazz From Hell est finalement restée lettre morte: il s'agit d'un album instrumental, de musique électronique, presque entièrement programmé, à quelques exceptions près. Le beat, quoique soigneusement préparé, est simple, et la partie mélodique est constituée de lignes de synthés qui travaillent le thème du morceau comme un solo de guitare peut travailler un riff, avec de multiples variations et une recherche de la non répétition, produisant ainsi un effet grisant par la virtuosité de l'ensemble. J'ai beau chercher, je ne vois pas trop d'équivalent dans la musique de club récente, il doit y en avoir, mais ça ne me vient pas trop à l'esprit spontanément. Je ne voit que des morceaux où l'idée de progression consiste, je dis ça pour caricaturer, à rejouer le même thème de plus en plus fort. On dira "quelle boucle!".

Forcément, comme dans le cas de James Holden, ça rend un peu triste de se dire ça. Un dj qui jouerait un titre sortant de ce paradigme boucle de synthé/beat répétitif verrait la piste se vider fissa, et ainsi les producteurs ayant l'ambition de faire danser les gens commencent par penser leur morceau dans ce format; c'est le cercle vicieux. On pourrait arguer que la mécanique de la destructuration de ce format commence à prévaloir comme modèle de musique à impact direct sur le public. Un James Holden pousse ses synthés vers des degrés de dissonnance assez conséquents et travaille ses beats jusqu'à un certain niveau d'abstraction, c'est vrai. Je ne sais pas à quel point la remise en cause du format va s'amplifier. Un lecteur malpoli me faisait remarquer que le Phantom de Justice déforme le sample des Goblin pour susciter une forme de dégénérescence jouissive du morceau, mais ça me paraît assez décoratif, cosmétique, comme subversion de la norme musicale. Etant donné l'état des outils technologiques, produie ce type de déformation ne relève pas d'une réflexion sur le genre mais d'un constat d'une certaine forme d'efficacité de certains "trucs" de production. Il suffit de regarder la liste de plug-ins fournis avec Ableton Live, on y trouve par exemple un "beat repeat", qui se charge, moyennant quelques clic rapides, de destructer un sample ou un beat, mimant les procédés qu'obtenaient un groupe comme Autechre il y a dix ans, par un travail profond sur leurs machines pour tenter de les faire fonctionner de manière non-conventionnelle. On trouvera même des fabriquant de plug-ins dédiés spécialement à la production d'outils voués à ce genre de mécanismes: les Destroy FX par exemple.

Je pense qu'il y a là une forme de tension révélatrice d'un certain état de l'electro. Face à la simplification du travail par les solutions logicielles, une ligne de partage se trace entre différentes pratiques: les tenants du tout-machine traditionnelles, tel Vitalic, misant sur une certaine idéologie du travail bien fait, méritoire, les artistes travaillant à l'ordi intégralement pour raffiner le travail sur le son, mais choisissant de rester dans les cadres préexistants, musicalement parlant, tel Random Factor ou Booka Shade, ceux qui sont passés au numérique mais s'imposent des contraintes personnelles pour maintenir leur "patte" personnelle au sein même du set-up, je pense à The Field, qui dans cette interview explique qu'il ne travaille qu'avec un logiciel de 1995 et dans les conditions du live pour produire ses morceaux, et ceux qui essayent de se placer volontairement en avant-garde, avec ce que ça peut impliquer de pose et d'artifice. On pourrait penser à James Holden, bien forcé de communiquer sur une image de franc-tireur nerdy. Il a pu dire par-ci par là qu'il expérimentait avec des programmes comme Max/Msp, environnement de programmation ne déterminant pas nécessairement le format final du morceau. Il est dur de savoir la part de ces expérimentations dans sa production de musique pour club. Dans l'extrait cité il pose comme connue cette catégorie nommée "post-techno", on imagine qu'il s'y voit dedans, sans doute.

Il y a plus à dire sur les chemins que n'a pas pris l'électro populaire au cours de sa constitution, laissant au champ de l'avant garde musicale la liberté de forme, mais là j'ai pas envie.

un petit morceau:

Kieran Hebden & Steve Reid - The Sun Never Sets

James Holden en dit du bien, ça suffit à me donner envie de l'écouter. Il est vrai en plus que de savoir la part d'improvisation dans la méthode de travail du duo explique pas mal le côté jouissif des changement de rythmes à la batterie, des déclenchement intempestifs de samples et de riffs de synthés, finissant par ramener dans un format quasiment free jazz un peu du plaisir que procure un bon gros morceau de techno arrivant à son climax. ça vient du nouvel album, Tongues.

Alternatives, mon cul ouais

2007-04-24T16:54:00.000+02:00

Quelques remarques diverses avant les nuits sonores:

Après avoir écouté l'émission Alternatives, sur france inter, seule émission de radio nationale entièrement dédiée à la musique électronique, du moins la seule que je connaisse, je me suis posé une question: est-ce que comprendre le concept derrière un groupe équivaut à aimer ce groupe? L'animatrice de ce baromètre de tendance, ni très critique ni très fûté, semblait étayer ses "coup de coeur" par des descriptions génériques qui semblaient suffire à justifier la défense de tel groupe contre tel autre. Par exemple, elle évoquait l'album de Black Strobe à sortir, et que tout le monde semble déjà posséder (ça remontera peut-être le moral d'Ivan Smagghe, perdant du revirement rock du groupe; il analyse la séparation ici, et distille deux trois pensées qui font cogiter dans le bon sens des neurones), en disant qu'il s'agissait d'un super disque parce que c'était un mélange de dark wave, de metal et de disco. Je ne voyais pas en quoi ça augurait de la qualité du disque. Au mieux ça indiquera au disquaire ce qu'il faudra écrire sur l'étiquette du disque avant de le classer. L'invité-sélectionneur par ailleurs n'était pas un producteur de musique ou même un journaliste mais un promoteur de soirée, et ça m'a paru bien spécifique au monde de la musique électronique dansante. Je n'ai pas de souvenir, en repensant à des lectures sur le rock ou d'autres types de musique, d'entretiens avec des promoteurs de concerts ou des tourneurs.

Il semble que la musique électronique soit incapable de parler pour elle-même, elle doit subir un certain décryptage, en particulier lorsqu'on parle de techno ou de house intrumentale, musiques un tantinet abstraites et dont les références, les attitudes de producteur, sont moins lisibles que celle d'un morceau de rock par exemple. Les musiques de club forment un panel d'offre qui n'est pas facile à adapter à une demande. Pour ainsi dire, la demande est à la base inexistante. Le rôle social de ces musiques ne semble pas dépendre d'un groupe social donné, qui assurerait la pérennité de la scène. A priori, on ne grandit pas dans une culture "techno" ou "house" avec l'envie de devenir producteur de ce genre de musique. Le premier réflexe de celui qui , à un point de son parcours, veut participer à la scène électronique, me semble être de manière générale l'achat de platines. Le Dj est celui qui représente la musique de club. Il y a là une attitude à s'approprier, un savoir faire à dompter, une image à composer qui permet de se construire à moindre frais une identité sur la scène. C'est comme s'acheter une guitare pour jouer dans les fêtes. Là où le rockeur se définit non seulement par les groupes qu'il veut singer, tout groupe semblant se fonder par la pratique de la reprise, mais aussi par le choix de son intrument, le Dj se définit par ses disques. Sa performance est la démonstration d'un choix de consommation. Comme tout comportement consommateur, on postule une cohérence dans les choix qui permettrait de recomposer une figure rationnelle idéale qui emploie avec intelligence son capital.

Une émission telle qu'Alternatives, c'est donc ça à mes yeux, un guide raisonné de consommation, où on trie ses disques en fonction de la combinatoire infinie des catégories de base. On signalera un mélange inattendu, un groupe d'electro à l'attitude rock, un projet techno aux influences dub, etc. C'est au fond tenable comme conception, et on pourrait imaginer une hiérarchie des musiques de club selon leur degré d'hybridation, et une hiérarchie des auditeurs selon leur capacité à décortiquer les différentes composantes d'une production donnée. pourquoi pas. ça ne couvre pas tout mais ça explique certains phénomènes. sans doute.

D'autre part, je suis allé lire quelques forums sur Justice, pour savoir ce que les gens en disent, ça me rend curieux tout ça. et je constate l'incroyable goût pour l'hyperbole des fans (en gros le groupe va abolir toutes les barrières de toutes les catégories musicales et sociales de france et d'Europe) mais aussi la violence des attaques contre les voix dissonantes qui se risquent à traîner dans ces espaces. Depuis ça me fait réfléchir à une espèce d'envers du buzz, à un côté sombre de la hype, quand les thuriféraires deviennent si investis du message qu'il portent qu'il en viennent à se sentir personnellement responsables du respect de l'objet promu. Je sais pas. à vous de voir. je le sens comme ça. Juste pour rigoler je vous renvoie au forum Institubes, haut lieu de la buzzerie francophone, le topic sur l'album solo de tekilatex, où un internaute dit avec génie "moi ça me tarde de voir sa promo et les interviews". juste brillant.

pour renouer avec l'habitude de filer un mp3 pour garnir le post, j'ai choisi de filer le remix de Frankie Valentine par Henrik Schwarz.

Frankie Valentine - Zumbi (Henrik Schwarz dub remix)

Je ne sais jamais trop si je vais aimer ou non un morceau de Henrik Schwarz, toujours à la limite de la préciosité dans ses arrangements de percu et de piano. Là je trouve qu'il a tapé dans le mille, comme pour son remix d'Alex Smoke ou sa collaboration récente avec Jesse Rose (quatorze minutes de bonheur). Parfois il verse franchement dans le côté un peu quality street de la house un peu lounge qu'il pratique (cf certains choix de remix genre Camille ou certains des titres qu'il a sortis sur son label Sunday Music). Ici, il dépouille l'original de la plupart de ses ornements soul pour ne garder qu'une structure un peu tribale, guidée par un kick super strict qui marque l'appartenance house de l'ensemble et garnie de percus super bien arrangées. Il attend la moitié du morceaux pour introduire des éléments harmoniques; d'abord des nappes de synthés assez sombres et par la suite des accords de piano qui remplacent progressivement des éléments percussifs, un peu à la manière des claviers dans la techno de Detroit. La petite touche inattendue et très réussie je trouve c'est le traitement de la nappe de synthé à 4'30, dont la texture devient soudain rugueuse, sans doute par un changement de la fréquence d'échantillonage du son ou par l'introduction d'une dose de bruit blanc dans l'onde du synthé, qui rompt le côté faussement référentiel du morceau, celui-ci se présentant jusque là comme une pseudo captation de musique live bien ordonnée. ça capte l'attention immédiatement, enrichit les harmoniques de la nappe et fait regretter que le morceau approche alors sa fin. En termes de catégorie je pense qu'on dirait que le morceau mêle traitement du son façon techno minimale allemande, mixe les percus et les claviers façon techno Detroit, et puise ses références dans la soul et la world music. je pense que ça en fait donc un bon morceau certifié et de moi un bon auditeur que l'on se gardera bien de critiquer en commentaires.

Skiplist #1

2007-04-14T14:14:00.000+02:00

Deux messages en deux jours, je fais péter les stats en ce moment. Mais j'en ai gros sur la patate. je voulais profiter du post précédent, qui présente avec un brio peu commun un cas de sampling flemmard, au point qu'on se demande même pourquoi il est bon de donner un nouveau titre au morceau, pour évoquer des cas similaires. ça m'a donné ensuite l'envie de créer une nouvelle rubrique: la "skiplist", l'anti-playlist, la liste des trucs à éviter, la poubelle de la musique électronique du moment. Je sais que ça fait aigri, mais bon, ça divertit aussi hein. Je devrais peut-être attendre d'être un grand producteur d'electro pour dauber sur les autres mais là j'ai pas le temps.

c'est parti, dans le désordre:

1/ Phantom, de Justice. Les pouliches de Pedro Winter démontrent une inventivité en terme de sampling qui n'est pas sans rappeler les talents d'acteur de Patrick Bosso. Le morceau est écoutable sur le myspace de Ed Banger records. voilà l'original: Tenebre, par Goblin. La référence est sympa, on aime bien ressortir ses vieilles musiques de film d'horreur, c'est rigolo, mais quand on se contente de reprendre le thème en le tripotant un peu, de le garnir de quelques riffs saturés périphériques, de quelques touches de basse et pouf, a-t-on vraiment intêret de présenter ça comme un morceau original? je ne voudrais pas m'embarquer dans une discussion sur les mérites du sampling, je veux juste faire remarquer qu'en musique électronique la catégorie du remix est tout sauf honteuse, ce n'est pas de la création de seconde zone. Pourquoi ne pas juste avouer qu'il s'agit plus d'un Tenebre (Justice mix) que d'un Phantom? ça me dépasse. Le fait que je les trouve gravement surévalués n'est pas étranger à ce sentiment. J'ai écouté aussi "BEAT" sur leur myspace et ça me conforte dans mes idées.

2/ Chromophobia, de Gui Boratto. Franchement, quel mouche a piqué l'ensemble de la presse et de la blogosphère pour dire que ce disque est un des meilleurs albums de l'année? c'est quand même dingue qu'un tel agrégat de tracks poussifs et lourdauds s'attire autant d'éloges. Il doit y avoir un truc qui m'échappe. Il est marrant de voir que le titre qui semble cristalliser les qualités du disque soit le "beautiful life" de la fin du disque, sorte d'équivalent musical d'une tartiflette froide un lendemain de fête, ça pèse un peu quand même.

3/ Scratch Massive. No comment. Leur carrière brillante se poursuit.

4/Just Jack. J'ai même pas envie d'en parler.

5/ le deuxième album des !!!, Myth Takes . j'ai cru comprendre que certains l'apprécient, je peux le concevoir, cela dit, à mes yeux, avec ce disque, le groupe rentre dans le rang.

6/ Le nouveau maxi de Sex In Dallas. La maison de disque a beau agrémenter le tout d'un remix par Isolée, rien n'y fait. Déjà bien merdeux à son apparition comme fossoyeur de l'électroclash, le groupe inspire maintenant la pitié plus qu'il n'agace.

7/ tous les derniers maxi de Kitsuné. Pathétiques. mention spéciale au groupe Passions avec "Emergency". Quelle originalité!

8/ Tout Trentemoller. A éviter comme la peste. J'ai entendu dire que certains de ses fans sont morts étouffés dans la guimauve. info ou intox? dans le doute, abstenez-vous.

9/ Plein d'autres trucs.

ça médite le retour

2007-04-13T08:45:00.000+02:00

hello,

je me baladais sur la grande toile quand soudain je trouvai ce blog:

Palms Out

on peut y écouter en intégralité certains des morceaux samplés par Daft Punk. et dans certains cas, ils ne se sont vraiment pas fait chier. ça donne à méditer. Je constate que mon impression selon laquelle le groupe avait affiné sa technique entre son premier et son deuxième album est assez fausse. D'autre part, confirmation que Robot Rock est un vilain remix qui refuse de dire son nom...L'original de Breakwater est tout aussi fun, avec ce riff tout fou et en plus un refrain catchy (cf jukebox). A titre de comparaison, une analyse du sampling de Sister Sledge ayant servi à créer Aerodynamic: ici. Le travail créatif y était plus évident. Au fond ça ne me gêne pas, mais bon, il faut appeler un chat un chat. Si Robot Rock n'avait pas été le lead single de l'album, ça serait pas grave. enfin bon. hein.

Faites passer à vos potos. poti. whatever

edit: j'ai poursuivi la lecture du post de palms out sounds, que j'avais parcouru en vitesse, et j'ai vu le petit débat qui anime les commentaires, encore assez vif pour un morceau déjà assez vieux, presque deux ans. c'est sans doute lié à la grande vitalité de la référence daft punkienne dans les développements récents des scènes musicales électroniques. beaucoup de groupes sont identifiés nouveaux daft punks, quand ils ne revendiquent pas eux-mêmes l' héritage. On se rend compte que ce qui se joue ici n'est pas seulement une manière de faire de la musique mais aussi certaine idée de la société, mélange encouragé par le groupe lui-même. le débat n'est pas inintéressant non plus pour cerner les positions des auditeurs sur des questions de sampling en musique.

Le morceau "robot rock" fait évidemment figure d'exemple chaud, vu la nature très minimale de la retouche des frenchies. Certains sont un peu dégoûtés de découvrir que tout le fun du morceau provient du travail d'un autre groupe. j'aurais tendance à me joindre à ce groupe d'auditeurs, dont l'un clame "i just realized there is no santa". toute l'astuce du groupe, le ressort principal du troisième album, est justement d'avoir poussé à l'extrême ce qui constituait une critique récurrente depuis leur éclosion commerciale: à savoir une méthode de travail basée très clairement sur l'emprunt, parfois éhonté, à des oeuvres préexistantes, et pas toujours de façon avouée.
Un des commentateurs de l'autre blog prétend qu'en lisant attentivement les notes de tous leurs disques on retrouve des crédits pour tous les artistes samplés. perso, j'avais acheté Discovery à sa sortie (soit dit en passant il reste un de mes disques favoris hein) et je me souviens assez nettement qu'en réalité un très petit nombre de samples sont déclarés dans le livret, la communication du groupe étant même basée à l'époque sur l'idée que contrairement à Homework, l'album était presque complètement joué. Quelques mois plus tard on avait compris que tous les morceaux sauf un ou deux tournaient autour d'un sample musical emprunté.

Human After All s'ouvrait donc sur ce truc de trois minutes, qui est réalité un sample mis en boucle avec, pour ainsi dire, rien autour. la démarche m'apparaît extrêmement roublarde, vu qu'elle a effectivement polarisé le débat entre les fans puristes louant la dimension quasi-conceptuelle de l'entreprise, en citant les titres des morceaux de l'album comme autant de preuves d'un discours exemplifié en action par l'album ( en gros, dénonciation ironique, cf titre de l'album décrivant exactement l'inverse de ce le disque contient, d'un mode de vie déshumanisé par la société médiatique de consommation, dénonciation d'autant plus probante que l'album lui-même entend rafler le pactole à moindre frais) et les autres, les pisse-vinaigres, les haters, qui n'ont pas compris. et comme souvent avec ce genre d'entreprise, quoiqu'on pense on a tort.
Avancer, comme je le pense, que l'argument est fallacieux, puisqu'au fond prouver ce genre de thèse en faisant cracher du fric au consommateur (tout le monde ne le télécharge pas, quoiqu'on en pense) est assez douteux, cela revient à faire comme si on n'y a rien compris. à l'inverse, célébrer leur disque comme démarche multimédia performative, en soulignant la cohérence du discours environnant la sortie, "on ne donnera pas d'interview, le disque parle de lui-même", c'est s'interdire de voir que le projet politique du groupe est sans doute secondaire et apparaît comme justification a posteriori d'une création paresseuse. dans tous les cas, c'est Daft Punk qui a raison. fils de pute. Comme quoi, même pour secouer les dancefloors, il n'y a rien de tel qu'un soupçon de politique. Vivement le prochain album, "Fuck Bourgeoisie" ou " Computer Le Pen", j'imagine, avec un single "money does'nt matter" qui samplera un discours de Guy Debord sur fond de Martin Circus avec un beat bien phat pour faire péter les enceintes. Là on pourra écrire "et le pire c'est qu'on adore!".

edit de l'edit: il me revient à l'esprit qu'à l'époque je m'étais fait pincer à la fnac en train de chourer l'album Human After All. il y a sans doute une métaphore politique là dedans, si on y réfléchit. forcément.

edit (ter): je viens de voir qu'il existe même un article de la wikipedia sur la chanson, prouvant encore, si besoin était, que la démarche a fait mouche. l'article de la wiki est d'ailleurs assez rigolo dans sa tentative de démonstration de la pertinence du titre, en signalant par exemple que la face B fonctionne sans le sample, comme pour dire que, finalement, le reste ne doit pas être si pauvre ça pour remplir six minutes de plus.De manière assez marrante égalemet, l'article cite une phrase de la critique par stylus magazine, comme exemple de propos assassin ayant accompagné la sortie du single. pourtant, à lire la critique en entier on comprend qu'en réalité cette phrase, "a plastic guitar riff that does nothing, means nothing and goes nowhere for an unconscionably long time", entend démontrer au contraire l'acuité très postmoderne, et donc chouette, de la chanson.
c'est dire si l'on finit par en dire des conneries à force de parler de ce disque. c'est sans doute la force du groupe! non je déconne. pfff. au moins ça me redonne envie d'écouter Europe.

Plus de Zob, Moins de Musique

2007-03-26T17:38:00.000+02:00

Ah, flûte, je ne publie pas assez dans ce blog à mon goût. Mea culpa. j’aurais pu vous dire à quel point le concert de Lcd Soundsystem, à Tournefeuille, fut décoiffant, vous pousser à aller chercher le mix de Lovefingers et Loud-E pour Beats in Space, monstrueux, vous parlez du très punchy album de The Field, mais je n’en ai rien fait. tant pis. Aujourd’hui j’ai plus profond à raconter.

En hommage au grand philosophe Baudrillard, qui nous a quitté il y a quelques jours, je vais tenter de présenter un cas fascinant de réalité vaporisée sous les couches de représentations trompeuses: l’affaire de la quéquette disparue.

Il y a quelques temps, une personne me demanda de lui passer quelques épisodes de la quatrième saison de Nip/Tuck, la série sur les chirurgiens torturés du zob. Je m’exécutai, et, quelques jours plus tard, par oisiveté, un soir, regardai un des épisodes. N’ayant rien vu depuis la deuxième saison, je me sentis perdu dans tous ces personnages inconnus et intrigues nouvelles. La wikipedia s’imposa alors comme le meilleur recours à ces manques. Mais se présenta une énigme palpitante: Matt Macnamara, le fils du gentil chirurgien, a-t-il coupé la bite d’un transsexuel qu’autrefois il tabassa? Le débat fait rage par pages interposées, jugeons plutôt:

Dans l’article “Matt MacNamara”, qui présente la biographie de ce personnage, on trouve ce récit. Matt est sorti pendant quelques épisodes avec Ariel,la fille d’un fou d’extrême droite, Mr Alderman. Ariel le surprend alors qu’il passe un peu de temps avec Cherry, le (la?) transexuelle, qu'il avait molesté après avoir découvert, sur le point de copuler, qu'il/elle était encore pourvu de ses attributs génitaux masculins, et prépare une vengeance pour les anciens tourtereaux:

“Ariel drives Matt back to her house, where he is forced inside and to the basement by Mr. Alderman. Cherry Peck is then brought into the basement, roughed up and bound to a chair next to Matt. After Ariel ties Matt up to a chair and puts make-up on him, Cherry mentions that Ariel’s father has a gun. Ariel tells her father that this wasn’t the plan; they were only supposed to scare Matt and Cherry, not hurt them. Mr. Alderman advises Ariel to go upstairs, which she does. Left alone with Matt and Cherry, Ariel’s father says that he wants to play a little game with them. He wields a box-cutter and plans to cut off the penis of whichever of the pair makes a prettier girl. He decides on Matt, but Cherry saves Matt from having to cut his own penis off, telling him to do it to her. Cherry assures Matt that it’s alright, and after being threatened at gunpoint by Mr. Alderman, Matt does (presumably) cut Cherry’s penis off.”

Cette dernière phrase pique la curiosité. Pourquoi le rédacteur de l’article s’abstient-il de prendre parti sur l’ablation du pénis de Cherry? j’ignore de le savoir, n’ayant jamais vu l’épisode en question. La lecture des autres articles ne m’a pas vraiment aidé; la biographie de Cherry semble indiquer que le sacrifice de sa bite fut total:

“Later, Cherry and Matt are both kidnapped by Ariel’s father, Eugene. Eugene does not agree with the idea of a transsexual, nor the fact that his daughter’s ex-boyfriend is associating with one. He tortures both Matt and Cherry by having them perform harmful and painful acts on themselves by holding them at gun point. Mr. Alderman then plays a sick game dressing Matt up in make-up and then deciding to cut the penis off of who he thinks will be the “prettier girl.” Matt is chosen but Cherry volunteers to have her penis cut off instead and then Mr. Alderman forces Matt to castrate Cherry.”

Notons néanmoins que la formulation de permet pas de savoir précisément si Matt a effectué la castration complètement, ni même s’il a obtempéré. Si on se reporte à l’article Ariel Alderman, la castration n’aurait tout simplement jamais eu lieu! Troublante révélation:

“A day later, Ariel invites Matt into her car and tries to talk to him nicely asking about Cherry Peck. When Matt refuses to talk any further, he goes to get out of the car, but Mr. Alderman gets in on the passenger side before he could do so, and he gets taken to their house. When there, Matt gets tied to a chair in the basement, and Ariel applies makeup to him. Then Cherry Peck is brought downstairs at gunpoint by Mr. Alderman and is tied up too. Ariel then finds out her dad plans on doing more to Matt and Cherry then he said he would, and she starts protesting, then gets run out of the basement by him with threats made about both of their reputations if her school was to find out she dated a “faggot”. Then he decides to try to force Matt to cut Cherry’s penis off, but eventually decides against it and drives both of them to a field to try to make Matt bury Cherry alive.”

Il n'y a pas d'article sur le père, nous ôtant la possibilité d'obtenir enfin le point de vue manquant. L'information semble introuvable.

Un coup de google plus tard, je tombe sur ce teasing, écrit au moment de la diffusion de l’épisode:

“Cherry Peck (you may remember her as the transvestite that Matt brutally assaulted earlier in the season in the episode “Kiki”) visits McNamara/Troy looking to have some work done. After her assault, she went to a less than qualified “surgeon” and the results weren’t so hot. However, she wants the work done free – or else she’ll go to the cops and out Matt as the person who attacked her. After Sean tells Matt about this, Matt insists that he do the surgery so that he can make it right. After the surgery, Matt takes Cherry to the mall to buy some make-up. They bump into Ariel and her Dad. Neither of them look amused and Ariel has a few words for Matt… use your imagination.”

C’est à croire que l’on joue avec nos nerfs. Pourquoi ce phallus serait-il condamné à une semi-existence, entre fiction et fiction de fiction? c’est à y perdre la tête, pris dans la spirale de ces simulacres de fictions vaguement en prise avec le réel… On pourrait penser que la scène est simplement coupée, les auteurs jugeant ce détail peu pertinent. Mais alors, notre perplexité augmente lorsque l’on se reporte au résumé de l’épisode suivant, où l’on découvre que le tueur en série/violeur en série, le Carver, aka Quentin Costa, une des intrigues récurrentes du programme télévisé en question, poursuit ses activités criminelles parce qu’il n’a pas de pénis… En fait, il semble qu'il n'en a tout simplement jamais eu, à cause d'une curiosité biologique que les scénaristes ont du couver pendant des mois avant de réussir à la caser dans la série. La chose étonnante, c'est que la principale raison de la durée de l'enquête, un temps portée sur le vrai coupable, Costa, avant qu'il ne soit à tort disculpé, c'est que les victimes témoignaient d'un viol avec bite. Les deux intrigues se mêlent et apparemment troublent vraiment les internautes. Voici le récit du dernier épisode de la saison, qui conclue les deux storylines; il y apparaît clairement que le rédacteur a cru on imiter le montage en parallèle des séquences, rendant certains passages bizarres:

"A house full of sorority girls is attacked by The Carver, and the doctors are called to the scene, where they meet Kit. They tell her that they've been asked by the parent of one particular girl to fix her daughter's face. They find the girl and she tells them that she walked in on The Carver as he was raping her friend, and that's when she saw it-he didn't have a penis. Rather, he was using a strap on. Realising that this once again makes Quentin a viable suspect, the police storm his house, only to find him tied to a bed, his cheeks slashed and 'I CAN'T STOP' written in blood above him. The doctors are at first reluctant to fix his face, but, after hearing his story, decide to do so. As they perform the surgery, Kit interrupts and arrests Liz. Meanwhile, Matt is speaking with Ariel. They argue briefly, but it turns out it's all a trick, as Mr. Alderman forces his way into the car and drives them away. Sean goes in to check on Quentin post-surgery, but is knocked out from behind by The Carver. After Sean falls to the floor, he removes his mask and we see it is Quentin; Gina is in the bed, her cheeks carved. Sean and Christian wake up tied to separate operating tables. Quentin walks between them, taunting them, and explaining how he is not a madman, as they might suspect. This builds up to him cutting off Sean's pinkie finger. Running parallel to this is a scene in which Matt and Cherry are similarly tied up in Mr Alderman's basement and tortured. Initially, Alderman goes to cut off Matt's penis but decides he can't do it, and decides to instead force Matt to cut off Cherry's penis. He tries to resist but, a gun pointed at him, he does it. Quentin, dissatisfied at simply removing a finger, decides to go for Sean's thumbs. Christian stops him, however, and offers himself. Quentin decides that Christian must remove his own hand. Just before he can do this, however, Quentin is shot and killed by Kit. Out in the woods, Mr Alderman attempts to get Matt to bury the bleeding Cherry alive. Matt ends up walking away, saying how he doesn't 'care anymore'. Cherry comes up behind Alderman and knocks him down with the shovel. Matt encourages her to shoot him. She does so, though we do not see the result. After explaining to them Quentin's history, Kit leaves.

Notons ici que le rédacteur a opté pour la version zob sectionné de l'histoire; mais est-ce à cause de la proximité frappante avec une autre scène où l'on coupe le "pinkie finger" d'un autre perso? Que la télé ne montre pas lez zobs, je peux le comprendre; mais qu’elle les fasse disparaître à la fois biologiquement, manuellement et par ellipse, ça tourne au complot. Cette affaire de zgueg manquant surprend par sa pudeur, d'autant plus que, au fond, il n'y a pas vraiment de raison de cacher l'issue du coupage de zob pour épargner au public maculin une image de castration non-voulue puisque Cherry est en attente d'opération de transformation: cela rend cette épreuve moins décisive. Comme Baudrillard, que je n'ai absolument jamais lu, le disait si bien: "le réel n'existe plus". Eh bien en voilà une sacrée démonstration. A vous d'en tirer les conclusions qui vous conviennent.

Finissons en musique avec The Field. Deux samples de guitare accélérés, une boîte à rythme, des synthés trance pouet-pouet, et quatre dernières secondes hilarantes, donnant presque à entendre le ressort qui fait tourner le sampleur péter et détendre brutalement les échantillons sonores qui retrouvent leur vitesse normale, parfois il n'en faut pas plus pour faire de la techno. C'est limite cheesy, franchement limite même, mais on va pas cracher dessus.

J'ai repris le lecteur intégré de Pitchfork. Pourquoi se faire chier?

Profitons en avant le prochain procès pour violation de copyright...

2007-03-18T23:27:00.000+01:00

Ballad Of Bilbo Baggins

2007-03-11T15:38:00.000+01:00

+

=

this

Etre ou ne pas être souterrain

2007-03-01T21:29:00.000+01:00

Salut salut,

Il y a quelques semaines je notais que beaucoup de morceaux d’electro actuels sont caractérisés par des similitudes troublantes de production, en particulier l’ajout d’une grosse louche de reverb sur la plupart des pistes. Et bien figurez-vous que j’ai retrouvé l’homme qui à lui tout seul a inventé ça: Jay Haze. Ce n’est pas une spéculation de ma part: il le revendique. Il est aussi l’homme dont les interviews sont les plus commentées dans le monde de la musique électronique, il l’affirme également. Il est un peu celui dont tout le monde parle en fait. Il connaît mieux la vie que vous et moi. C’est grâce à lui que Ricardo Villalobos a écoulé dix mille vyniles de Easy Lee. Il aurait pu être souffleur de verre, à succès qui plus est. Il peut être assis à côté d’une star dans l’avion et ne pas lui adresser la parole du trajet. Timbaland lui a écrit pour lui dire qu’il est hyper fort. Il est comme ça Jay. Nature, Brut de décoffrage (et peut-être un peu porté sur le pipeau…). Il nous met au défi de trouver une seule personne qui l’accuse d’être vénal. Même quand il produit avec un autre mec c’est quand même lui qui fait tout, le Jay. Il le dit lui-même, il est un peu comme Matthew Herbert, il sait faire de tout, et bien le faire. En plus il détecte facilement les mecs qui ont pris la grosse tête. Jay, surtout, il est vraiment underground, se définissant systématiquement contre la hype.

On tient là deux des pôles qui contribuent à structurer l’espace de la musique électronique: la hype et l’underground, qui sont deux modes d’existence dans l’espace de la scène életro, le visible et l’invisible. Les deux se placent à rebours du mainstream, de façon différente. La hype reste tributaire de manoeuvres de buzz, parfois orchestrées avec talent, et semble condamner ses ressortissants à ne jamais pouvoir goûter cet état de grâce miraculeux qu’est le double statut des stars underground, connues et respectées.

Jay Haze se pose en ultime autorité (comme le fait Daniel Wang dans ses articles de Discopia (cf links), en particulier “he ain’t no pope”) de l’être-souterrain, la prétendue anti-thèse de la hype, le type si éloigné de la hype qu’il en devient le modèle. Qu’est-ce qui différencie Jay Haze de n’importe quel autre artiste interviewé sur le même site? A l’aide des propos Haze et de Wang on peut tenter de dégager quelques traits distinctifs.

L’underground, c’est une métaphore spatiale, elle désigne les phénomènes qui seraient en-deçà de la scène musicale visible. De fait, les artistes underground revendiquent toujours une sous-exposition médiatique, dont on ne sait jamais en fait à quel point elle est voulue. Qui plus est, le terme exposition recouvre des pratiques très distinctes, le pseudo anonymat des Daft Punk n’a rien d’un retrait médiatique par exemple, et de fait, de revendique aucune appartenance souterraine.

D’autre part, pour creuser un peu plus la métaphore spatiale, l’underground désigne également un réseaux de lieux alternatifs: des pays moins visibles, des villes moins évidentes, des salles plus obscures. A partir de cette carte mondiale de l’electro s’établit un barême du mérite. Devenir Dj techno à succès à San Francisco attire plus de compliments qu’à Berlin, l’essor de Dirty Birds en 2006 en témoigne. Pier Bucci en provenant du Chili accroit sa crédibilité souterraine, alors que, musicalement, ses productions sont particulièrement faciles d’accès. Chaque producteur peut se voir ainsi affecté d'un coefficient de crédibilité underground selon son son et sa situation sociale (géographique, professionnelle, familiale...).

Un des traits relevés brièvement par Wang me semble très important: la supposée non-reversibilité des transfuges underground/hype. La formule qu’il cite est éloquente:”Remember kids, once you sell out, the underground will never take you back.”, dit-il, en attribuant cette phrase à Sarah Ellison. L’underground serait ce corps collectif régi par un certain nombre de règles tacites, et dont la trangression signifie le outing, l'exclusion hors de la sphère de la respectabilité. L'underground électro s'appuie par exemple sur une certaine idée de la pureté de l'expérience musicale. Dans ce blog, on a pu évoquer parfois des brouillages occasionnés par des paramètres sociaux qui empêchent de pleinement profiter de la scène électro; en particulier une certaine forme de réinvestissement des cultures house et techno par une classe fortunée. Dans l'idéologie underground, il serait encore possible d'avoir une expérience non-polluée de la musique, par une abstraction de l'environnement mondain. C'est ce à quoi aspire Wang dans son article. Il voudrait que les gens cessent de réfléchir à leur propre situation sociale en contexte de club, pour se connecter directement à la musique. Malgré son irréalisme, cette proposition peut se lire en creux dans de nombreuses notes d'intention et entretien de producteurs d'electro (voir l'interview de Burial citée par James Holden).
A partir de cette hypothèse, on constate que de nombreux projets musicaux qui s'appuient sur un certain discours non-musical se voient disqualifiés, je pense par exemple au dernier Cassius, dont les principaux arguments de vente reposaient sur des données d'intention: retrouver de la spontanéité avec un enregistrement en temps limité, rechercher un certain esprit house révolu en partant à Ibiza (sans parler du fait que Cassius étant quasiment mainstream le voyage vers l'undergound est inenvisageable). A l'inverse, tous les concepts s'articulant autour d'un certain culte du son peuvent prétendre au prestige souterrain. La techno minimale, au moment de son apparition, en fut le parfait modèle. S'appuyant sur une façon de construire le morceau qui déconstruit le modèle techno classique, forme de reverse engineering musical, les artistes mettent l'accent sur des phénomènes microscopiques de production, rendant l'écoute plus exigeante. Ce prestige underground a fini par grandir de façon telle que le label de Richie Hawtin, Minus, se voit aujourd'hui taxé de hype, par Jay Haze en l'occurence. Leur notoriété acquise par le culte du son pur finit par déborder sur la loi fondamentale de non-exposition médiatique.
Certaines tentatives de voyage retour peuvent sembler douleureuses et difficiles. Les Scratch Massive semblent en être bien conscients puisqu'ils emploient l'essentiel de leur interview dans Trax à se dédouaner de toute trahison underground en décrivant leur expérience dans une major compagnie (pour leur premier album, une nullité) en ces termes "les majors c'est comme la prison, une fois que tu y as goûté, tu ne veux pas y retourner". Formule dont Trax fait son miel en la reproduisant une page plus loin en capitales noires soulignées de rouge. Le propos ne fait pourtant pas vraimen illusion, d'autant plus que le journaliste a cru bon de préciser que l'entretien est organisé dans un hôtel chic tenu par des promoteurs mondains parisiens en vogue. C'est presque avec des accents réactionnaires qu'ils endossent leur habit rhétorique d'anciens, qui ont connu "la tôle ondulée, les bières posées sur les parpaings, les ectas et Liza N'Eliaz". On constate ici la propension de l'underground a se comporter en fonction d'une mémoire collective, qui n'oublie rien et pardonne peu. Musicalement, leur repentir passe par la fierté d'avoir pu faire masteriser leur disque (le deuxième album, une nullité) par un des deux membres de Maurizio, icône underground ne souffrant aucune contestation. Ce duo fait partie des intouchables. Cela tient sans doute au fait que pendant des années on a cru qu'il s'agissait d'un homme seul, un des deux membres du groupe ne voulant pas rendre publique son existence.
Des projets tels que Maurizio, on en compte quelques uns, la nébuleuse Dopplereffekt/Arpanet/Japanese Telecom, Drexciya, Underground resistance, entre autres, dont la réputation repose sur l'anonymat, ascenseur direct vers le prestige underground. Beaucoup aimeraient en arriver là, sans avoir à supporter le fait qu'ils sont, en réalité, absolument inconnus. Metro Area n'en est pas loin, grâce à Darshan Jesrani, que son collègue Morgan geist décrit comme absolument rétif à la notoriété, ayant refusé que le groupe se produise en live. Richie Hawtin réussit pour sa part à rester une icône underground tout en étant assez connu pour se voir commander la musique de la cérémonie d'ouverture des jeux olympiques de Salt Lake City, preuve s'il en était besoin que la question de l'underground ne concerne en réalité que des formes de notoriété symbolique.

L'article de Wang a ceci de drôle qu'il en vient à détailler la casuistique du Dj cherchant à rester authentiquement underground. Il se doit par exemple d'éviter toute chanson qui, à l'échelle de la scène dans laquelle il est joué, peut être apparenté à un hit, quitte à renoncer à des morceaux faisant d'ordinaire partie de ses favoris. Il cite en exemple les titres disco produits par Arthur Russel dans le milieu des clubs new-yorkais. La tracklist du Dj devient un objet d'étude pour les amateurs éclairés, rendant le travail de sélection complexe puisqu'impliquant à tout instant des choix dépassant largement le cadre d'une soirée; à chaque titre, chaque enchaînement, chaque intervention sur la table de mixage, c'est une certaine idée de la musique (voire plus!) qu'il met en jeu, qu'il le veuille ou non. Certains disc-jockeys s'en accommodent facilement, étant doués pour mesurer la portée de chaque morceau, d'autres s'y cassent les dents (cf les réactions acerbes des puristes dans certains forums sur les sélections d'Agoria, "ah le salaud, il a joué un Prodigy, il nous prend pour des singes ou quoi?"). le problème étant de savoir à quel point les gens consomment une certaine idéologie, un certain discours, au lieu de la simple succession des morceaux.

On en arrive en fait à ne pas trop savoir ce qui est underground ou pas, puisque dans tous les cas les connaissances demandées pour établir le statut semblent en limiter l'accès à des personnes dont le niveau social est d'ordinaire opposé à l'underground. L'underground se mérite, on ne peut pas l'être quand la vie a été trop facile grâce à une famille fortunée; la façon très cash qu'à Jay Haze de confier les épisodes les plus douleureux se son enfance est assez parlante, me semble-t-il, comme une transaction entre ses confessions et un accroissement de son coefficient crédibilité.
Dès qu'apparaissent les germes d'un discours légitimiste de type "underground", les processus de "gentrification" d'un milieu (pour reprendre l'expression de Dimitri Della Faille dans un article sur les scènes post rock et techno minimale de Montréal dans la revue Volume!) en sont plus très loin; les bourges sont dans la place.

Pour l'heure, Jay Haze reste un sacrément bon producteur, pour preuve ce morceau dont il dit dans son entretien qu'il occupe une place à part dans son oeuvre:

Jay Haze - Soul in a Bottle (feat Big Bully and Sven VT)

Quand je disais que la techno minimale rappelle les opérations de reverse engineering, je pensais typiquement à ce genre de morceau. Peu d'élément, deux-trois riffs de synthé, quelques touches percussives, juste de quoi vérouiller un groove qu'on ne lâche plus jusqu'à la fin du morceau. Chaque piste qui s'ajoute se donne à entendre à la fois pour elle-même, au sein d'un tout très dépouillé et en relation avec les boucles environnantes, permettant ainsi de décomposer le fonctionnement d'un morceau de techno classique. En cela, le morceau correspond tout à fait à ce que Jesse Siminski dit de la techno pratiquée par le label Minus: "Often times with minimal techno tracks it’s stripped down percussion and groove". La qualité entêtante du morceau provient du traitement distant de la voix, et de ce riff synthétique lent et simple qui guide toutes les pistes. Des éléments supplémentaires viennent ce greffer sur ce squelette, sans jamais prendre le dessus, ni donner l'impression de surcharger le titre. De la belle ouvrage, ma foi.

ps: encore une compil hip hop gratos: ici. Le titre final de Aesop Rock est étrangement clubby.

Sottises en vrac

2007-02-18T17:53:00.000+01:00

Salut à vous

faute de coup de coeur décisif, je vais proposer quelques trucs à éviter:

le dernier Trax. évidemment. Pour preuve, j'ai relevé des perles:

-le portrait de Pierre Lx (p.7) dans le sommaire du cd: "on ne sait pas grand chose sur ce français". Conseil de pro: essayez Google, ça marche hyper bien. On tape "pierre lx" et on tombe, en premier résultat, sur son myspace, avec une biographie. C'est chaud à retenir comme astuce mais c'est bien pratique ce truc.

-on y apprend que les interviews des Clipse sont "souvent déprimantes parce que dépressives" (p.14). Dans le même article, le journaliste nous explique que la chanson "Kilo" de Ghostface Killah est une métaphore de la drogue. Métaphore? ah bon.

-La géniale question posée à Tom Pooks, pour commencer son portrait chinois (p.19): "Si tu étais un Dj, tu serais qui?", à laquelle il répond poliment: "Je le suis déjà". C'est quand même merveilleux qu'une telle ineptie soit publiée. Que la question soit posée pendant l'interview est déjà un bon indice du niveau de préparation effectuée, mais le fait qu'elle soit retenue pour la version finale me plaît encore plus.

-Blindtest de Francesco Tristano: "Tu a commencé par le piano jazz..."interruption de l'intéressé: "Pas vraiment". Dans la même page, on apprendra que Luciano Berio est "un artiste à découvrir". Merci Trax, de la part de l'histoire de la musique.

-p32, le journaliste, à la plume assassine, raille les magasins de disques qui "vendent les vyniles comme si c'était des jeans made in China". C'est vrai que c'est moins classe qu'un col roulé en cachemire de chez Kitsuné ou un sous-pull de chez Yoji Yamamoto.

-une pelletée de comparaisons absurdes dont le magazine est devenu le champion: par exemple, "genre Nina Hagen meets Steve Bug".

-la présence d'un article sur Just Jack après les éloges que le magazine professe à l'encontre du discours anti-hype de Scratch Massive.

-la "dialectique de la fureur et de la grâce"(p42). ça veut dire: de la techno accompagnée du piano. je ne déconne pas. Un peu plus bas: "les paupières frémissent avant de s'éteindre, mais c'est le piano qui pleure". no comment. je n'ose pas évoquer le paragraphe où le journaliste affirme qu'un des morceaux du dernier Alva Noto "emporte l'auditeur non moins que dans la dimension du sublime kantien".

-N'oublions pas que le dernier Air est "un parachèvement à la déprime hermétique" (p46)

- l'article qui débarque avec trois ans de retard sur le retour du rock psychédélique/progressif à New York. Je me demande pourquoi en ce mois de février 2007 ce papier débarque.

-Valérie Leulliot en album du mois. fabuleux. bienvenue dans le mensuel de la musique électronique. Bientôt Miossec en couverture. On sent que les journalistes ont du mal à accepter que tout disque à la mode n'est pas nécessairement électronique. Ils préfèrent tordre la raison d'être du magazine plutôt que de renoncer à couvrir les trucs hype les plus chauds.
Pris d'un scrupule le journaliste précise malgré tout que par le passé elle "n'a jamais rechigné à user de l'électronique". chouette alors.
-la chronique sur l'album de AntiMc, disque de hip hop auquel on reproche la présence de rappeurs, trop "braillards" (p. 66).

etc etc. j'en peux plus.

L'émission "Système disque" sur France Culture.

Ca se présente comme une émission qui se propose d'étudier les mutations du marché du disque, et en fait c'est une tribune offerte au monde des maisons de disque pour déplorer les excés du piratage et attribuer aux internautes la baisse des ventes de disques. On y plaide pour les drm, et tout le tralala. Atroce. J'y ai consacré deux heures de ma vie, et je m'en sens encore tout sale. Beurk.

A l'inverse, une bonne interview de Robin Rimbaud, alias Scanner, en podcast ici. Il y propose des réflexions intéressantes sur les mutations de l'industrie musicale, en faisant justement remarquer l'absurdité de la démarche des majors qui investissent des sommes folles dans l'enregistrement des disque, pour, à l'arrivée, promouvoir la vente de mp3 (protégés numériquement) à très faible débit, 128 kps dans le cas du itunes music store par exemple. A écouter.

Tip

2007-02-01T14:07:00.000+01:00

De la musique nouvelle, gratuite, et bonne: ici. Ce n'est pas vraiment le genre de choses dont on cause dans ce blog, mais il faut bien faire tourner les bons plans pour les amigos.

Warning!

2007-01-26T12:02:00.000+01:00

Trouvé sur le site de Lcd Soundsystem, dont on parlait l'autre jour. Comme quoi james murphy a une conscience citoyenne.

De la techno pour tous, tout de suite

2007-01-22T18:57:00.000+01:00

Assemblage de remarques diverses, avec plein de liens:

J’ai l’impression qu’une forme de marché étrange est en train d’apparaître autour de l’idée selon laquelle, compte tenu des avancées récentes en matière de logiciel musical, tout le monde aujourd’hui peut prétendre devenir producteur de musique électronique. Le logiciel Ableton Live communique beaucoup autour de cette idée, en essayant de promouvoir leur produit à la fois auprès des débutants et des professionnels: "You can effortlessly shape sounds without being concerned about technical intricacies, but if you like to dig deeper, you will find myriad possibilities for creating unique, personalized sounds" (trouvé sur le site Ableton.com). On retrouve le même discours chez Reason ("Making music should be as easy as powering up a computer, loading up a powerful piece of music software, and getting down to business. And it is"), et chez Mackie, pour le séquenceur Tracktion. Apple propose une solution graduée (Logic et Logic Express) dans le même esprit.

D’autre part, on voit de plus en plus des musiciens semi-professionnels ou professionnels proposer des outils censés faciliter l’accessibilité des techniques de création musicale. Il y a par exemple ce mec, qui vous vend non pas un logiciel mais juste un set pré-préréglé pour utiliser le logiciel Ableton en solution pour Dj sans avoir à effectuer les réglages soi-même. Ou alors celui-là, que vous connaissez peut-être par ses contributions aux compilations Braindance de Rephlex, qui vous invite chez lui pour bouffer des cookies et se faire expliquer le manuel gratuit qui détaille le fonctionnement d'Ableton, moyennant espèces sonnantes et trébuchantes. Encore un peu plus fort: des sons pré-produits par ce qui ressemble à une petite entreprise spécialisée dans le genre. Même topo ici. Il faut vraiment croire que le nombre de personne voulant faire de la techno en cinq minutes est important.

Autre constat: le nombre de concours de remix pour amateur commence à être étonnant. Le site Beatport (sur lequel j'ai acheté le morceau que vous trouverez en bas) propose régulièrement ce genre de compétition aboutissant en général à la publication du morceau gagnant sur le site. En ce moment il propose de remixer un des tubes 2006 du label Get Physical: Les Djinns, de Djuma Soundsystem, qui était, comment dire, mince, euh... pas très très bon. Les frenchies de BlackStrobe font pareil: là.

Tout cela laisse quand même un peu perplexe. Le fait qu’en matière de musique électronique on parle bien de producteurs et non de compositeurs indique ce qui constitue à mon avis l’essentiel de cette activité, le travail sur le son. Les qualités purement musicales d’écriture n’interviennent que dans ce cadre; une brilliante composition ne vaudra pas grand chose si elle n’est jouée qu’avec des sons trop convenus. Or, ce que ces outils semi-amateurs offrent n’apporte aucune aide quand à la compréhension du fonctionnement du son. Une sorte de culture de l’assemblage se dessine par ces pratiques: on glisse-dépose un preset d’instrument virtuel sur une piste, on joue quelques notes, on répète cette opération sur plusieurs pistes et on applique quelques plug-ins de mastering, si possibles très chers, en utilisant encore une fois des réglages préenrigistrés, et zou, le tour est joué. Le pire étant le placage systématique d’effets mal dosés, reverb sans fin, saturation systématique, etc. On pourrait penser que ces simplifications d’utilisation répondent à une nécessité d’attirer des débutants. Je pense que cette idée n’est pas complètement valable, puisque les logiciels ne prennent pas franchement en compte des options pédagogiques, qui permettrait de sortir d’une utilisation strictement productiviste du programme (je pense en particulier aux tutoriels trop succincts d’Ableton). l'idée mise en avant est vraiment la sensation d'une immédiateté dans le processus de création, de la pensée au morceau, il n'y aurait que quelques clics. La tendance technologique en matière de musique assistée par ordinateur est l’intégration: le tout en un, de la composition au mixage final dans un seul et même logiciel. Si l’intéret économique est évident, force est de constater quand dans le domaine de la musique électronique, cette démarche est à peine applicable. Cette musique est pleinement dépendante de la technologie qui la produit, et se subdivise parfois en genre définis par leur relation à un outil précis de création ( on peut penser par exemple au son “acid techno”, tributaire du synthétiseur Roland Tb 303). Dès lors, on pourrait suggérer que le plaisir pris à l’écoute d’un morceau d’electro est souvent réductible à la perception d’une utilisation spécifique de technique de production; on entend souvent chez les amateurs pointus des éloges sur la façon dont la ligne de basse sonne, sur le découpage d’un sample, sur le traitement d’une voix, d’un synthé, etc. Cela ne revient pas à dire qu’il n’y a de plaisir pris que par l’analyse de la musique par un discours de spécialiste, mais plutôt que, même inconsciemment, c’est toujours une qualité infime, très spécifique, qui permet l’adhésion au morceau d’electro. L’electro est un domaine ou l’on valorise la différence minime. On aime qu’un morceau de musique électro dansante satisfasse son contrat d’écoute (en gros: donner envie de se remuer) en y introduisant sa toute petite subversion. Cette plus petite différence possible est le produit d’un travail très spécialisé, qui ne peut s’obtenir que par la maîtrise d’un outil technologique. A mon avis, le jour où l’on écoutera un album entièrement produit dans Reason, ou intégralement produit dans Ableton, n’est pas encore là. Reason interdisant l’ajout de plug-ins extérieurs, et l’enregistrement de sons en direct, se condamne à rendre le programme dépendant d’autres solutions pour obtenir un produit fini: il peut fonctionner en “esclave” pour Ableton, Logic, ProTools, ou autre, dans le cas contraire, le morceau produit devra sans doute de toute façon passer par un autre logiciel pour être mixé; étape souvent négligée par les solutions “tout-en-un”, même si elles offrent des suite de d’outils de mixage et de mastering (à mon avis défaillantes).
Se pose alors la question du coût réel du matériel nécessaire pour produire de la musique électronique de bonne qualité. La partie logicielle peut être obtenue en partie via de copies piratée, mais n’épargne pas l’achat d’un système d’écoute, et d’une carte son permettant le contrôle précis des niveaux. Il s’agirait là vraiment d’une installation minimale; la lecture des dispositifs techniques de tous les producteurs que j’estime me glace parfois le sang: il faut en gros décider de consacrer l’intégralité de ses revenus pour s’acheter des synthétiseurs analogiques, des amplis à tube vintage, des enceintes hors de prix, et autres micros, pré-amplis, plug-ins, tables de mixages… On ne s’étonnera pas de découvrir que certains des meilleurs producteurs exercent le métier d’ingénieur-son en studio pour gagner leur vie (je pense à James Murphy, dont, soit dit en passant, le Sound Of Silver fait d'ores et déjà partie de mes chouchoux pour 2007, et Booka Shade en particulier).

Petite digression:
La musique électronique semble souvent s'appuyer sur une certaine idée de l'amateurisme, du Do-It-Yourself; elle est la culture du home-studio, de l'autodidacte par excellence. Cela étant, un certain degré de professionnalisation semble caractériser les producteurs les plus pointus. Cet article écrit par Richie Hawtin illustre bien l'idée suggérée par Pierre dans un post précédent sur ce blog; la constitution du Dj/producteur en chef de PME; pour viabiliser sa production, terme dont on sent ici un autre sens à développer, il doit produire des concepts, des idées, et organiser le tout de manière exploitable, compréhensible. On pourrait penser que la relation entre producteurs amateurs et professionnels dans le monde de la musique électronique calque celle du monde du spectacle, où la créativité est en partie prise en charge par des bénévoles, ou intermittents dont le coût est pris en charge par la collectivité, et dont les bénéfices sont reversés à ceux qui se constituent en structure économiquement viable. La relation est supposée être à profit mutuel (échange argent/ légitimité), mais on peut se demander si les bénéfices sont comparables. Par exemple, parmi tous les groupes émergents qui contribuent à assoir le prestige du label Kitsuné, combien retirent suffisamment de crédit pour subsister par eux-mêmes? Savent-ils que leur musique est un produit comparable à un textile (la preuve en fin d'article ici)? De fait, la star du label c'est le patron.

Enfin bon, tout ça pour vous dire en fait que produire, mixer et masteriser un morceau de qualité, ça me semble être juste impossible, j'en fais des cauchemars la nuit. La grande démocratisation de la création musicale, c'est pas pour tout de suite, même si on sent des efforts dans ce sens. Les grands producteurs peuvent encore dormir tranquille.

Prenons en particulier l'exemple de Morgan Geist, dans cette interview, il explique (en bas de la page) sa prédilection pour le hardware, contre le software, rendant le mystère de la qualité du son Metro Area un peu plus épais.

La preuve avec ce morceau:

Metro Area - We Also Not

Ce n'est pas une nouveauté, loin de là, mais ce titre n'est pas sur l'album ni sur aucun des maxi de la série "metro area" parus sur Environ, certains ne l'ont donc peut-être pas dans leur collection. Il est sorti en 2002 sur Tigersushi, en face B du disque More GDM vol.3. Pour les amateurs de disco, ce titre sera une vraie bénédiction: l'alliance clap/kick/clochettes constitue une partie rythmique simple mais efficace, déjà orientée vers des textures mélodiques, et les claviers apportent progressivement des accords puis des arpèges (qui renvoient à l'univers de l'italo-disco, cher à morgan geist) qui développent des motifs très courts, empêchant toute mièvrerie dans cette ambiance en effet peu agressive. De quoi étoffer votre répertoire disco/total zob.

Dansez Maintenant

2007-01-11T18:52:00.000+01:00

La lecture des articles cités dans le post précédent (en particulier le “He Ain’t No Pope”, dernier paragraphe) m’a rappelé une autre lecture récente, celle d’un papier dans The Wire (le numéro de décembre avec les Melvins en couverture), faisant le portrait d’un groupe d’électro américain, dont j’ai oublié le nom, en plus j’ai oublié le magazine chez ma mère à noël, je vous raconte pas, j’étais dégoûté dans le train après, et qui, comme Daniel Wang, trace une ligne de partage entre une musique de club de bas étage, dite purement fonctionnelle et une autre forme d’électro, appellant des qualificatifs divers: “cutting edge” (The Wire), expérimentale, ou “soulful”, une musique émouvante, qui a de l’âme (Wang). Ce type de distinction n’est pas nouveau dans le monde de la musique électronique, riche en hiérarchie de toutes sortes.

On se souvient du parcours du label Warp, créé à la fin des années 80 dans le but de promouvoir des productions orientées dancefloor indépendantes, dans la petite ville de Sheffield, qui a connu une rapide notoriété populaire avant de progressivement devenir le symbole de l’electro alternative “pointue” aux yeux de la presse, en partie à cause d’un malentendu; le label avait en effet intitulé de manière ironique une de ses premières compilations “Artificial Intelligence”, dans le but de satiriser les critiques qui dénonçaient le côté mécanique de leurs productions (c’est en tout cas ce que les patrons du label ont clamé par la suite), mais ce que les créateurs de Warp n’avaient pas vu venir, c’est la façon dont ce titre allait confirmer la tendance naissante à utiliser ces mots comme étiquette générique classifiant leur musique, l’IDM, l’intelligent dance music. C’est à partir de ce moment que le label va presque définitivement cesser de sortir de la musique de club (aux alentours de 1992/4). On peut se demander ce que ce terme, recouvrant des productions tellement hétéroclites, pouvait bien désigner comme style musical. De manière plus simple, il n’était sans doute qu’une invention de journaliste pour établir une hiérarchie entre la musique dansante populaire et un son qui à l’époque ne touchait qu’une fraction du public, se rendant plus profitable aux yeux de la presse. L’article de la wikipedia tisse même un lien de filiation presque injustifiable historiquement de Stockhausen à Warp; c’est dire le pouvoir de légitimation contenu dans ce terme.
Wang et Wire se rejoignent dans la condamnation d’une musique purement fonctionnelle. On peut néanmoins se demander ce qu’est cette fonctionnalité décriée. Spontanément on pense à la réduction du morceau à sa fonction de “dancefloor-filler”. Dès lors la critique de The Wire se comprend facilement; cela revient à évoquer les différents mode d’écoute de l’électro: “club music” contre “listening music”. La musique électronique “cutting edge”, telle que souvent The Wire la représente, n’a finalement que peu à voir avec la bonne musique telle Wang la voit; elle recouvre simplement des musiques n’appelant pas nécessairement d’utilisation sur les pistes de danse. Cela concerne par exemple les gens qui font de la musique avec du fromage. La distinction opérée par Wang est différente: il ne parle que dans le contexte des musiques house et disco. Cela peut sembler étrange: à quel moment un morceau de house, dont le but est toujours de faire danser, cesse-t-il d’être de bonne qualité tout en remplissant son cahier des charges initial? Une partie de la réponse proviendrait sans doute du formatage des habitudes du public des boîtes de nuit. Mais ce n’est pas de cela que parle Daniel Wang. Il s’en tient strictement à des considérations de dj/producteur. Il faut que la musique l’émeuve. Quand on pense à la finalité dansante de la musique, on voit facilement le type de comportement appelés et les moyens pour l’obtenir. Mais comment la musique émeut-elle? Quelle sont les comportement qui indiquent qu’une musique est émouvante? C'est que, contrairement à l'association musique/danse, les émotions musicales sont très largement métaphoriques. C'est la thèse exposée par Lawrence Zbikowski dans cet article. On peut en effet penser que les sons sont toujours perçus par le cerveau comme une succession intentionnellement organisée par quelqu'un d'autre, selon des motifs qui appellent une forme de réprésentation mentale. Ces motifs, à force d'être perçus au fil des années de manière similaire, deviennent les catégories à travers lesquelles on interprète le son en "émotion". Par exemple, l'utilisation de la réverbération ou de l'écho pour traiter une voix devient un critère dont le dosage plus ou moins fort peut attribuer un coefficient "émotion" à un chant. On peut étendre ainsi à l'infini la liste des motifs et des émotions associées: saturation/agressivité, rythme compris entre 110 et 160 bpm/joie entraînante (Dj Hell dans les notes du disque "I Like It vol1" soutient même qu'à 126,6 bpm tout le monde se met à danser), certains accords qui connotent la tristesse, une succession de notes qui montent ou descendent, etc etc, à vous de compléter avec vos disques. La musique electronique étant principalement instrumentale, les outils de description sont déjà extrêmement métaphoriques (break, montée, climax, nappe, boucle, texture, ...) et participent aussi à la reconfiguration des sons en émotions/métaphores. On pourrait même penser que la répartition en catégories, en sous-genre, est déjà une certaine forme de catégorisation par association de métaphores convergentes. C'est peut-être pour ça que les cas de déviances génériques sont finalement assez rares dans les musiques de club.

A partir de cette hypothèse, on peut tenter d'imaginer comment Wang perçoit la musique électronique: il existe un panel d'outils qui déclencheraient généralement des réactions précises, et il incombe au producteur et au Dj de faire preuve de subtilité dans leur combinaison. Toute tentative trop grossière sera reversée dans le bac des purs "dancefloor-filler", mercantiles et mécaniques, et tout travail complexe appelant un décryptage moins facile de retranscription métaphorique sera valorisé, puisqu'il ne permet pas à l'auditeur de se sentir automatiquement "self-conscious". Rien n'est pire à ses yeux que le moment où une scène musicale devient auto-référentielle. Il professe en effet son admiration pour tout ceux qui restent dans "the moment". Les morceaux à ses yeux les plus finement produits rendent l'activité de métaphorisation la plus fertile, forçant l'auditeur à puiser plus loin dans son catalogue mental d'analogues, provoquant une adhésion plus forte au système de répétition des motifs propre à la musique électronique de club. C'est là, dans l'hypothèse d'un catalogue mental d'analogues, que la question des cultures clubs se poserait, rejoignant des problèmes plus sociologiques. On notera à titre de confirmation potentielle le fait que Wang ne cite que des morceaux qui l'émeuvent sans jamais spécifier l'émotion. On n'entend rarement quelqu'un dire: j'aime bien ce morceau, il m'a rendu triste. On préfère les émotions plus "complexes". Certaines musiques auront toujours les faveurs d'un public plus éduqué (et de fait Wang est titulaire d'un diplôme de psycho): elles permettent de broder sur des trucs "indicibles".

Voilà comment à mon sens on peut se figurer cette idée que toute musique parvenant à faire danser les gens n'est pas pour autant de la bonne dance music. Bien sûr ça ne résout pas vraiment tous les cas où on peut capter tout de suite l'univers de référence d'un morceau, et les émotions impliquées, sans que cela ne gâche le plaisir. Il doit y avoir un régime référentiel de plaisir que Wang ne goûte pas, dénotant sans doute un certain esprit de sérieux du bonhomme (cf photo plus bas). Son article sur l'acoustique des boîtes de nuit montre de plus une certaine forme d'hostilité à l'égard des courants de musique électronique minimale, qu'il requalifie automatiquement de musique "sous-produite". Cela confirme son besoin de ne pas détecter immédiatement les intentions d'un producteur et partant, son goût pour la finesse des arrangements, très apparent dans ses disques, où la place accordée aux textures et aux harmonies est primordiale.

Pour illustrer toutes ces merveilleuses considérations, un morceau:

Putsch 79 - Doin It (Daniel Wang remix)

Il s'agit d'un des derniers morceaux en date de Wang, qui ne déroge en rien aux principes directeurs du reste de ses travaux. Souci de musicalité, précision des réglages de synthétiseurs, basse disco très ronde, ici combinée dans le break du morceau avec un travail de traitement de samples vocaux très "space". Le thème joué au synthé qui semble imiter une voix humaine est particulièrement rigolo. Je ne saurai pas trop vous dire si c'est émouvant ou pas, mais c'est joli.

Food For Thought

2007-01-07T18:31:00.000+01:00

Pour mieux perpétuer mon intensive paresse, plutôt que d'écrire un article je vous renvoie à un excellent papier de Daniel Wang sur Discopia (dont l'approche de la culture club me plaît énormément), concernant l'acoustique des boîtes de nuit. J'y reviendrai ultérieurement, c'est très stimulant comme lecture.

Je propose aux terriblement nombreux lecteurs de total zob d'établir une liste des endroits qui méritent d'être fréquentés pour profiter dans de bonnes conditions de la musique. Par exemple, je peux assurer que la Marquise à Lyon est équipée dignement, et que l'écoute sur la piste de danse y est très agréable (tant que les conversations du bar ne prennent pas le pas sur la musique jouée sur scène, les musiques trop calmes y sont ruinées). Je peux de même certifier que l'acoustique de la Plateforme, péniche voisine, est tout bonnement horrible.

edit: celui-là vaut aussi son pesant de cacahuètes.

Reprise

2007-01-05T18:04:00.000+01:00

Salut les moules

bonne année

et un cadeau en guise d'apéritif pour une réflexion future sur la place de l'electro dans le débat actuel sur les questions de license et de copyright liés à la musique: un morceau fait maison (avec son contrat de copyright Creative Commons), fait avec des samples de batterie téléchargés sur Freesound (et plus précisément un kit très sympa d'émulation de la mère de toutes les boîtes à rythme, la Linndrum), eux-mêmes publiés sous Creative Commons, et des synthétiseurs logiciels freeware trouvés ici et là, le tout combiné dans la version démo gratuite d'Ableton Live. Si vous avez l'impression au bout de deux minutes que c'est tout le temps la même chose, c'est normal, c'est presque tout le temps la même chose.

Yoni - Tzs

Ce/tte création est mis/e à disposition sous un contrat Creative Commons.

voilà

jo

ps: de nouveaux liens sont apparus, ils mériteraient d'être évoqués plus en details, mais je n'ai pas le temps, je suis trop occupé. hmmmrr(rire discret).

Charivari

2006-12-21T03:48:00.000+01:00

Vu sur l'excellent blog Banana Nutrament:

Miam

Authentique

2006-12-19T18:43:00.000+01:00

Lu sur l'atroce blog du magazine Trax:

"Il n'est pas question de réanimer les cendres du conflit primaire "rock" versus "techno" (dont je suis le premier à dire qu'il n'existe plus tous les mois dans Trax, à l'instar du vieux conflit droite/gauche en politique) mais juste de cartographier ce qui fait des "musiques électroniques", un particularisme unique de l'écosystème culturel dans lequel nous vivons"

Des Clicks et Des Cuts

2006-12-11T20:34:00.000+01:00

Bonjour à tous, ou bonsoir, c'est selon.

Je me sens d’humeur pédagogue aujourd’hui, tant pis si vous savez déjà tout de ce dont je vais essayer de parler, ravalez votre amour propre, asseyez-vous une minute et prenez des notes; on discutera plus tard.
Un concert auquel j’ai récemment assisté au musée d’art contemporain de Lyon m’a frappé par le type d’écoute qu’il semblait préconiser pour de la musique qualifiée, sur le site du musée, de “abstrakt booty house” (ouais. et encore je vous épargne un jeu typographique). Le producteur était assis dans un fauteuil et le public dans des sièges similaires à ceux d’un cinéma, disposés en gradins. Le nombre de places était relativement restreint, et l’ambiance relativement calme, voire silencieuse. Personne ne parlait à voix haute à son voisin. L’artiste a joué ses productions personnelles, ordonnées selon un principe de gradation dans l’intensité rythmique, durant une heure, jusqu’à atteindre une phase finale pendant laquelle le son proposé était en tout point semblable à ce qu’un dj aurait joué en boîte de nuit. De plus, la configuration de qui était annoncé comme un live avait de quoi surprendre: le musicien invité avait placé à sa droite un lecteur cd hi-tech avec surface tactile pour faciliter la recherche d’un point précis du morceau et permettre d’éventuels scratches, et devant lui, une table de mixage multicanal connectant cette platine au séquenceur hardware posé à sa gauche, et de laquelle sortait le fil d’un casque de dj, qu’il arborait autour de son cou. Une telle configuration n’aurait pas dépareillé dans la cabine d’un nightclub. Ainsi l’essentiel du travail du performeur consistait à ménager des enchaînements entre les morceaux pré-enregistrés sur le cd apporté et les motifs programmées dans son séquenceur, auxquels il n’apportait que des variations mineures en pressant de temps à autre certains boutons. Tout dans sa gestuelle contribuait à évoquer le travail d’un deejay: l’écoute intermittente au casque en n’utilisant une seule oreille, le hochement de tête marquant la pulsation pour s’aider à caler la séquence suivante, et le toucher en finesse des différents potentiomètres de la table de mixage pour régler la superposition des couches sonores de manière équilibrée. Mais cet après-midi là, la seule chose de bien calée fut en réalité son enveloppe corporelle, entre les deux accoudoirs de son fauteuil. Le public ne s’y trompa pas en boudant progressivement, mais massivement, la prestation du jeune producteur.
Une des raisons serait donc à première vue le décalage entre deux modes de consommation de la musique électronique, l'un mobile, le dj mix en club, l'autre statique, le live dans une salle de concert. Par musique électronique, j’entends en fait ce qu’on désigne parfois en anglais “electronic dance music”, par opposition au simple “electronic music”, qui renvoie à toute forme de musique obtenue au moyen de synthèse sonore, par la médiation d’une machine. Ce qui m’intéresse, c’est bien la musique électronique en tant qu’elle est un assemblage, entre autres, d’éléments rythmiques, de travail sur la texture des sons et sur leur timbre, dans le but de satisfaire principalement une écoute sociale de club. Cette spécification renvoie donc aux genres apparus au début des années quatre-vingt, techno, house et electro, pour schématiser. Cette “electronic dance music” comporte deux phases essentielles: la production du son et sa reproduction. La première étape se fait dans le studio du producteur, la seconde en public. Contrairement aux autres musique pop, elle n’est pas immédiatement reproductible par des performeurs, au moyen d’une partition, par exemple. Le public de cette musique électronique n’attend pas d’un artiste venant jouer dans un lieu qu’il produise en direct le son. On sait que cette musique fondée sur un travail de superposition de pistes comme autant de couches de son est presque impossible à recréer en live. Le relais du producteur est donc le disc-jockey, ce qui infléchit l’idée de performance d’ordinaire avancée pour comprendre un concert de musique populaire. Le dj n’est d’ailleur pas nécessairement producteur, et inversement. Les compétences requises varient radicalement: la dextérité virtuose d’un Jeff Mills à la table de mixage est depuis longtemps, à mon sens, la seule qualité que l’on puisse accorder à cet artiste dont l’oreille et le talent de producteur laissent certains sur leur faim (dont moi d'ailleurs). Les critères d'évaluation du producteur et du dj ne se recouvrent donc pas totalement: s'ils sont tous les deux sujets à un étiquettage générique, ils ont des préocuppations aujourd'hui très différentes. En fait, le décalage peut parfois sembler tel que je me demande si les deux activités n’ont pas fini par s’autonomiser.
Dans les messages précédents, j’ai pu un peu expliquer les motifs qui frustrent parfois le plaisir que je peux prendre en allant écouter de la musique électronique: le contexte sociologique très hiérarchisé infléchit mon appréciation du spectacle, le besoin qu’ont les clubs d’une musique impressive et percutante m’abrutit les sens au fil de la soirée, et tout simplement parfois la pauvreté musicale d’artistes érigés en phénomènes au bout de deux remixes punchy et trois maxis mal remplis me gâche la nuit. Toutes les formes de musique électronique dansante ne se prêtent pas de la même façon à l’écoute publique. En effet, et ce n’est qu’une seule façon de comprendre ce problème, les développements récents d’outils technologiques (la norme MIDI en particulier) et de logiciels nouveaux (tels Ableton Live et Traktor), et donc de sous-genres conséquents (clicks’n’cuts, laptop performances, etc), placent les djs face à un dilemme: faut-il tenter de rompre la séparation traditionnelle dj/producteur, quitte à renoncer au prestiges spécifiques de l’activité de dj, ou prendre le risque de désorienter un public aux attentes très précises, en particulier dans les boites de nuit. Bon, dit comme ça, ça ne ressemble pas vraiment à un dilemme, mais c’est parce que j’ai des idées assez arrêtées sur la question: mieux vaut la deuxième option. Mais envisageons malgré tout le point de vue des tenants de la division habituelle:
Un artiste tel que le lyonnais Agoria (c'est le mec qui essaye de sniffer de la mauvaise musique en dessous) possède les deux caquettes: producteur et dj. Pourtant, il ne les mélange pas: son activité de producteur implique un dispositif technologique simple, en gros synthé et ordi, mais absolument pas spectaculaire. Si l’on se fie au texte rédigé dans le livret de son très bon cd mixé, il souscrit pleinement à l’idée selon laquelle c’est la faculté à construire un agencement de sons par l’assemblage de morceaux pressés sur du vinyl qui fonde la consommation publique de musique électronique dansante. Cette faculté implique la maîtrise de paramètres précis: le choix des disques parmi un panel sélectionné à l’avance dans la collection personnelle du dj, selon des critères qui lui sont propres, mélange d’inédits, de classiques, et de perles exhumées, la gestion de la pression à court terme impliquée par la finitude du morceau perçue à travers la progression du diamant de la platine sur les sillons du vinyl, pression renouvelée à chaque transition, ainsi que la capacité à créer dans ces conditions un rythme propre, une progression, voire, selon la terminologie aujourd’hui classique de Laurent Garnier, une “histoire”. Par conséquent, les formes plus récentes de deejaying s’appuyant sur l’utilisation d’un ordinateur portable, le phénomène des “laptop dj”, lui semble être une hérésie, qu’il dénonce avec des accents pathétiques ( “l’art du deejaying est en train de mourir…”), et, surtout, un poil réactionnaire. Le "bon dj" doit rendre sa dépense d’énergie visible, car c’est cela que le public réclame. Une forme d’échange s’instaure symboliquement et garantit l’effet de “communion”, terme très fréquent dans la bouche des clubbers pour décrire un bon souvenir de nuit en boîte. La photo sélectionnée par le magazine Trax en édito du numéro 100, censée résumée l’essence du clubbing, est à ce titre éloquente: on y voit Ricardo Villalobos tendre les bras et serrer des mains dans le public en se penchant par dessus les platines. Un nerd collé à sa souris, ça ne fait pas danser. Ce n'est pas complètement faux, dois-je admettre.

Ce raisonnement possède sa cohérence mais n’offre pas de place aux musiques de club les plus barrées, dont le travail sur le son répond moins à la primauté du beat comme source de régularité centrale, c’est à dire le pied (/kick/bass drum, appelez-le comme vous le souhaitez), et de variations infimes/infinies(les multiples sons qui gravitent autour de cette pulsation et se renouvellent à chaque disque), qu’à l’exploration des richesses de la synthèse et de la texture du son. Cette deuxième catégorie de musique électronique de club, qui n’est pas incompatible avec le deejaying traditionnel, est néanmoins plus apte à être retranscrite via une performance live, qui implique un ordinateur, pour en direct effectuer le jeu de transformation de la matière sonore. Si de nombreux djs ont adopté le laptop pour complexifier le travail sur le rythme, tels Richie Hawtin qui re-combine une multitudes de boucles tirées de sa bibliothèque musicale, jusqu'à dissoudre totalement l'idée de morceau, peu d'artistes s’aventurent dans le domaine du travail auto-référentiel de texturage du son (via des combinaisons de plug-ins, des coupes, du re-sampling, etc…), dans un cadre de clubbing. La peur d'être planté par son ordi n'est pas une explication suffisante, plus aujourd'hui. Citons néanmoins le beau travail live d'un Henrik Schwarz, d'un James Taylor (de Swayzak), ou encore d'un Matthew Dear. Ce travail me semble aujourd’hui encore être l’apanage des producteurs, et reste souvent étiquetté "live pour salle de concert", quand bien même leur intention reste d’amener les gens sur la piste dansante comme le ferait un dj.
L’idée sous-jacente à ce raisonnement, idée à laquelle intuitivement j’ai envie d’adhérer, est que le producteur se doit de conserver une longueur d’avance sur le deejays pour maintenir sa légitimité, et que le live laptop, quoique naissant et encore mal réglé en tant que pur show, permet au producteur de concilier portabilité et créativité. Le bon producteur ne se contente pas de respecter les règles de sa catégories, il doit créer des morceaux comme autant de défis aux pistes de danse. Défi à la répétitivité, à l’attente d’harmonie, à l’espoir de “uplifting”, terme qui renvoie à la sensation d’euphorie que certains morceaux sont supposés procurer, quitte à avoir recours aux procédés les plus faciles. C'est grosso merdo ce que James Holden exprime sur son site perso, vivement recommandé, soit dit en passant, qu'il se doit se rester innovant, vu la rapidité de propagation de chaque nouvelle technique de production, et donc des habitudes d'écoute. Cela implique tout une autre série de problèmes, en particulier sur la possibilité de rendre perceptible le travail de modulation du son sur l'équipement d'une boîte de nuit, d'ordinaire réglé pour mettre en relief les motifs rythmiques et les basses. Faites l'expérience avec le mp3 posté un peu plus bas: la différence entre une écoute sur vos enceintes et une écoute au casque est déjà criante. Cela permet de mieux comprendre la relative lenteur de l'évolution des musiques de club. Les musiciens sont malgré tout contraints à cantonner leur travail à des domaines facilement audibles: mélodie, rythme. Il y a pourtant tant à faire... Cela dit, ça bouge quand même: ce site propose une chose à mon sens inédite: des morceaux déjà arrangés pour être intégrés à un logiciel de mix sur ordinateur portable, preuve que le milieu enregistre malgré tout le changement du marché (le fait que le mix laptop rende la chose incroyablement plus facile et donc permette à beaucoup plus de personnes de revendiquer le titre de dj, et donc tout le lustre impliqué, n'y est sans doute pas étranger...).
Pour mieux illustrer cette conception un peu héroïque du musicien, voilà un morceau extrait du mini-album de James Holden, The Idiots Are Winning, tout un programme, que vous pouvez même acheter à la fnac pour 13,50, et dans des magasins de disque aussi, je pense.
Il y ménage certains des lieux communs qui génèrent l'uplifting pour mieux prouver l’efficacité de son travail sur la texture du son:

James Holden - Idiot

James Holden semble vraiment parti dans une direction assez folle (le mec à gauche sur la photo, c'est lui. cqfd), sa musique devient de plus en plus unique. Son premier hit avait déjà apporté un coup de frais, et recueilli des éloges unanimes, fait assez rare dans le milieu très segmenté de l'electro. Dans le numéro 99 de Trax, Agoria le présente comme son producteur actuel préféré, pour une raison très simple: il aurait révolutionné l'utilisation des plug-ins en electro. Il est vrai que dans les morceaux de James Holden ce qui est donné à écouter c'est le processus de traitement du son comme mouvement dynamique. Son refus d'étoffer la partie rythmique est dans ce morceau flagrant: un pied combiné avec des claps, c'est tout ce dont il a besoin pour bâtir sept minutes trente de musique dansante. A côté de ça, deux motifs joués au synthé vont être réitérés sans relâche en passant par toutes sortes de filtres jusqu'à atteindre le climax très psychédélique du morceau. Holden en modifie la fréquence d'échantillonage, faisant apparaître de nouvelles harmoniques progressivement, en modifie la résolution en bit, traite ces synthés comme des samples qu'il coupe, inverse, dédouble, décale, dont il altère le pitch, le timbre, l'enveloppe, jusqu'à donner une impression de démultiplication anarchique, avant de laisser le morceau retomber tranquillement.

Et l'album contient au moins quatre autres pistes au moins aussi bêtement jouissives. Un joli cadeau de Noël à écouter en famille.

Allez salut

jojo

Plâtrage De La Continuité

2006-12-06T18:12:00.000+01:00

Salut,

Post paresseux:

Je vous reproduit ici le mail que m'a envoyé mon ami Pierre, en réaction à l'article précédent:

"Il y a un truc que j’ai pensé en te lisant: je suis pas convaincu par la dialectique de la récupération commerciale que tu mets en place. J’ai l’impression que parler de récupération commerciale et utiliser ce genre d’arguments, c’est ne pas prendre en compte une idée qui demanderait à être vérifiée, mais qui me semble tenir intuitivement :

Pour moi la musique électro, telle qu’on la connaît aujourd’hui en europe, fait intégralement partie de la culture bourgeoise. Je ne saurais pas définir a priori ce que j’entends pas culture bourgeoise, mais dans son extension en france aujourd’hui on retrouve plein de choses qui sont hyper importantes dans la façon dont la culture électro est fabriquée et promue:

Les musiciens et les DJ sont représentés comme des cadres, spécialistes dans leur domaine, connaisseurs de tendances. Il y a aussi la mise en valeur de l’anonymat et de la bonne exécution, plutôt que de la virtuosité et de l’exception, et la valorisation du local, de l’échelle métropolitaine, ou régionale (french touch, Cologne etc…). Les labels sont comme des P.M.E., les patrons de label comme des entrepreneurs éclairés, ou des patrons de grands restaurants, ou de boîtes de nuit. Des mouvements comme l’electroclash modifient à peine la donne, son attachement à des valeurs punk étant tout à fait formel, combien de jeunes fils de famille maquillés en rockeurs sur leurs affiches pour un seul DJ Hell...

C’est propre et technologique, comme un monospace Peugeot à la sortie du showroom. Ce serait intéressant de comparer plus scientifiquement le statut de l’electro avec celui de la musique classique et la musique baroque dans la culture d’aujourd’hui. Mais prends le nombre de pubs avec de la musique classique ou baroque; en fait toutes les pubs qui ne ciblent pas un très grand public à coup de jingles et de musique teletubbies a de très fortes chances d’être accompagnée soit de classique soit d’électro en fonctions des connotations particulières de ce qui est vendu. De la même façon les pôles “culture officielle” de la musique classique et de l’électro se retrouvent sur ARTE dans une émission spécialisée et ils ont leur presse magazine de niche. Il y a aussi un culte des maisons de disque dans la musique classique et baroque qui est la plus proche de la culture officielle (exemple de Harmonia Mundi).

Peut être que tu as déjà vu ce lien : German DJ livingrooms…
http://djworld.commongate.com/post/German_DJs_and_their_living_rooms

c’est dommage le site ci-dessus n’a plus toutes les infos, juste des
photos, le lien original est cassé c’était sur ce site :
http://ilx.p3r.net/

J’ai l’impression qu’en Europe l’innovation formelle et technique que représente la culture de la musique électronique n’a jamais été le levier d’un changement significatif dans les conditions économiques et sociale de la production culturelle. Ce changement à donné les moyens à la génération montante de possesseurs du capital de prendre des places stratégiques dans la production et la distribution des biens culturels, mais le capital n’a jamais changé de mains. En plus il n’y a pas dans la culture électro européenne, comme aux Etats-Unis dans la communauté noire, un lien historique entre la production culturelle et l’activisme social et politique.

Pour ça que je pense qu’il y a deux histoires et elles ont très peu à voir: d’un côté l’histoire des musiques des classes des ghettos américains, certains mouvements du free jazz, du hip hop, de la techno etc… et de l’autre l’histoire de la musique enregistrée comme divertissement de masse bourgeois en europe, qui contient comme chapitre l’électro telle qu’on la connaît.

Je suis toujours très suspicieux devant les discours sur l’histoire de la techno qui tracent une belle chronologie rectiligne Kraftwerk, UR, KLF, Laurent Garnier, Kompakt. Ils s’efforcent de plâtrer une continuité formelle là où il y à (en tout cas c’est mon intuition) une énorme rupture sociale et culturelle entre ce qu’il c’est passé aux états-unis et en l’europe pour l’électro. Je soupçonne toujours que c’est de la consommation culturelle de faire ça et de la manipulation idéologique."

Ma réponse:

je suis parfaitement d’accord avec ta critique de l’idée de récupération commerciale, j’avais moi-même des scrupules à l’écrire; cela étant il me semble l’avoir cantonnée à la partie couillonne du message. le comparatif entre électro et pme me satisfait pleinement, et c’est à cela que je pensais en parlant de kitsuné comme d’un label qui vend des pulls en cachemire et de la musique de club. en effet, la production musicale y est intégrée pleinement dans le processus de différenciation du produit visant l’installation durable dans une niche économique. peut-être qu’un peu trop d’ironie a pu dissoudre ce que je voulais dire; je ne pense pas une séparation entre une musique intégre et une musique mercantile; ça n’a évidemment aucun sens pour le milieu décrit ici. peut-être qu’un message sur les stratégies employée par les djs pour constituer un morceau en tube au sein de la scène électronique (diffusion de white labels, cdr envoyés directement aux amis djs branchés, invention de qualificatifs génériques, etc…) pourrait éclairer différemment cette idée, je ne sais pas, je vais y réfléchir.
J'apprécie beaucoup aussi ta mise au point historique: à creuser et spécifier. L'interview de Mad Mike avait ceci de passionnant qu'elle décrassait cette idée que Detroit est avant tout une étape dans l'histoire du mouvement techno: il y dit en gros: nous sommes encore là, encore vivants, et toujours dans une situation délicate. C'est bon de l'entendre, d'autant que la presse et la critique musicale spécialisée naissante a tendance à énormément historiciser un mouvement encore très jeune au fond.
céla étant, il y a deux choses que je souhaiterais maintenir: les catégorisations subies par les amateurs; il est parfois dur de prévoir que le disque qu’on écoute va devenir l’emblême d’une marque (d’où mon insistance sur l’incongruité de certains choix promotionnels). S’il ne s’agit pas à proprement parler de récupération, il y a re-catégorisation, et on sort de la logique de niche évoquée précedemment. Le problème pour l’amateur d’electro, dont l’existence dans ce milieu est largement tributaire de ses goûts, qu’il veuille ou non les afficher, est qu’il est remis en cause dans son illusion de spécificité. La façon dont on se constitue un panel de goûts prépare toutes sortes de réprésentations de soi: on aime sans doute inconsciemment des choses "pointues" parce que l'on tire une fierté de la recherche effectuée pour le découvrir. Mais ce qui est valable pour l'amateur l'est aussi pour le publicitaire qui cherche à investir cette implicite valeur dans le produit. Le problème étant qu'il ruine ce qui procure, même faiblement, du plaisir "nerd" à l'amateur.
L’autre chose que je souhaite maintenir, c’est l'intention du dernier paragraphe; si je parle de récupération c’est bidon en fait, puisque je ne désigne que des artistes choisissant trop explicitement de se positionner contre le système de niche. On rejette l'étiquette "musique pointue", ou on revendique un faux amateurisme de bon aloi, on se range de force dans avec les musiques "pas prise de tête": c’est ça leur niche en fait: “on fait de la musique pas spécifique” serait leur label dans le bac d'un magasin de disque conceptuel. regarde cette vidéo. Ce gars incarne tout ce que j’exècre: il feint de rejeter les “musiques compliquées”, comme si des gens se revendiquaient ainsi sur les labels qu’il vise (genre ninja tune), et tente de nous flouer en se disant "populaire" (ben voyons: c’est pour ça qu’il squatte le paris paris et qu’il lance son single par une soirée chez Colette. Il est trop ghetto ce mec). En bref: il y a mistoufle.

La musique de club européenne: confort bourgeois?

ça se saurait!

La Stratégie de la Balle Dans le Pied

2006-11-30T20:59:00.000+01:00

Coucou: nouveauté sur Total Zob, un juke box qui accompagnera la lecture de messages toujours plus longs. Il ne vous reste plus qu'à vous caler au fond de votre siège, vous servir un verre, brancher votre ohmybod sur la sortie audio de votre ordi, faites-le discrètement si vous êtes dans un lieu public, et maintenant vous pouvez profiter de la totale expérience.

Depuis l'année dernière, une revue dvd entièrement consacrée à l'actualité de la musique électronique offre des portraits d'artistes d'ordinaire ignorés par la presse spécialisée. Slices, c'est le nom de ce rafraîchissant projet, ne raisonne pas en termes de mouvement, de tendance, ou même de genre, mais s'en tient à des parcours individuels, décrits dans leur contexte propre, en fonction de l'actualité des disques; c'est à mon sens une des raisons pour lesquelles le contenu surpasse sans mal celui de ses homologues papier et télévisé (Trax et Tracks, donc). Le dvd propose quelques clips, sans grand intêret, des mini-interviews, peu consistantes, mais surtout des reportages de 12 minutes chacun, dans lesquels les artistes ont vraiment le temps de détailler leur évolution, le choix de leur label et leurs méthodes de travail. La sélection du numéro de septembre (le prochain sort dans deux semaines) est irréprochable: Henrik Schwarz, Loco Dice, Carl Finlow, Emperor Machine, Thomas Melchior, Soulphiction, et Remute (j'en passe deux autres qui m'ont paru moins intéressants). Chaque portrait mêle entretiens face caméra et intermèdes graphiques, plus ou moins heureux, la palme revenant pour moi aux exploits culinaires de Henrik Schwarz, pendant lesquels on peut écouter la musique évoquée.
Mais la cérise sur le gâteau est sans conteste la présence d'une interview de Mad Mike, la légende de Detroit, qui revient sur les débuts d'Underground resistance, la place de ce label dans la scène électronique, et sur le rôle qui d'après lui incombe à sa structure dans le tissu social de sa ville. Imaginez aujourd'hui un label à la mode, à Paris par exemple, un de ces labels qui vendent des pulls en cachemire et de la musique de club, reverser les bénéfices obtenus par leur deejays à des adolescents de leur quartier pour financer leurs études. On mesure l'étrangeté de l'évolution sociale de la culture club. Il faut admettre qu'à partir d'un certain moment les valeurs véhiculées par ces musiciens, noirs issus des quartiers les plus difficiles d'une ville en état de sinistre social, sont devenues l'apanage d'une frange de la population à l'opposé des origines américaines du mouvement. Mad Mike le souligne quand il fait remarquer, premièrement, que, dans les années 80, quand les pionniers du mouvement techno en ont jeté les bases, ils ont opéré un grand écart culturel entre l'avant-garde européenne, Kraftwerk, et la culture soul afro-américaine, et, deuxièmement, que le renvoi d'ascenseur, de l'Europe jusqu'à Detroit et Chicago, n'a jamais vraiment eu lieu. On m'objectera que le mythe de Motorcity reste un modèle très fréquemment cité par les artistes électro; mais précisément, et je vous remercie de faire cette confusion, ça simplifie ma démonstration, il s'agit d'une image perpétuée, une attitude, et non pas la vraie aide espérée par Mad Mike. Au fond, le projet initial d'Underground Resistance n'a pas été compris: ancien musicien studio de la Motown, Mad Mike entendait rompre radicalement avec le système des maisons de disque qui, pour des motifs promotionnels, confondaient volontairement production musicale et création de figures publiques, les artistes. D'où le parti-pris d'anonymat, que Mad Mike maintient encore aujourd'hui. Il voulait déconnecter la musique de son image sociale. De manière attendue, ce principe est devenu une image très forte à son tour, et a dès lors préparé l'échec de l'entreprise politique d'U R. Le site officiel est à ce titre flagrant: le militantisme affiché de la structure est avant tout aujourd'hui un réservoir graphique de motifs publicitaires et de slogans un peu creux. Il est donc très agréable de pouvoir réentendre Mad Mike s'exprimer directement, et réaffirmer la vigueur de son engagement pour un culture du funk, du collectif, et du mépris de l'establishment.
Cela étant, on ne peut s'empêcher de noter la douce ironie du dispositif: Slices, support de ce discours très frais de Mad Mike, n'est autre qu'une excroissance promotionnelle de T-Mobile, l'opérateur de téléphonie mobile international. La charte graphique adoptée va jusqu'à reprendre le code couleur du logo de la firme. Il semble que la musique électronique soit désormais dans une fâcheuse posture: sociologiquement dévoyée, elle n'est plus que le support de connotations bébêtes: étant produite par des machines, elle incarne le nouvel ordre technologique mondial, étant une musique destinée aux clubs, elle s'adresse à la jeunesse, et étant volontiers conceptuelle, elle s'inscrit dans un culture du "design", qui vise à l'intégration de nos goûts et de nos besoins dans un "lifestyle", un mode de vie, où tout s'harmonise dans l'unité d'une marque. Ces traits sont aisément, à mon sens, vérifiables par un bref relevé des publicités qui font appel à la musique électronique: Orange se paye un morceau de Lcd Soundsystem et un autre d'Aphex Twin, un comble quand on connaît la roublardise du personnage, qui aurait pu être le héros de la stratégie de la balle dans le pied s'il n'avait pas su mettre en oeuvre une telle inventivité (qu'il ne semble plus pouvoir exercer musicalement d'ailleurs) dans la gestion de son brand-name le plus notoire, Sony se paye Stereo Total, ou encore Air, Peugeot fait claquer les synthés de Justice pour vendre on sait quelle voiture, Bouygues illustre sa passion pour tout ce qui se désintègre avec un morceau intrumental de DJ Shadow, Motorola affiche du Add (N) To X, Jean-Louis David coiffe au son de Playgroup remixé par Zongamin, Tiscali choisit Royksopp, France Telecom opte pour RJD2 (de même qu'Adidas, Levis, et la prévention contre l'alcoolisme; no comment), Coca pétille au rythme de Readymade FC, Apple a déjà sorti le chéquier pour que Daft Punk et Rinoçérose fassent danser les silhouettes noires porteuses d'Ipod, BMW roule pour Boards Of Canada, Alldays utilise Bob Sinclar pour incarner ses grosses tâche fluos, et pour achever ce tour non-exhaustif (loin de là, mais les exemples plus anciens relèvent des mêmes catégories. J'ai exclu tout ce qui a trait à David Guetta, qui pousse le plaisir jusqu'à jouer dans les pubs utilisant "sa" musique), Nintendo emploie du Fannypack. Bigre. Je ne saurais pas vous dire qui est ce client idéal que ce relevé semble dessiner, mais je peux vous dire qu'il a du pognon.
L'aspect le plus problématique à mes yeux de cette instrumentalisation est la difficulté à savoir qui gagne quoi dans cette transaction. La marque espère s'adjoindre le prestige lié aux connotations listées un peu plus haut, l'artiste acquiert une notoriété et un revenu sans doute inespéré dans un milieu où vendre 2000 disques suffit à être considéré comme "phénomène" (Mad Mike, dans le même entretien, s'amuse à imaginer la tronche que feraient les membres de U2 si on leur disait qu'ils ont vendu 2000 exemplaires de leur dernier disque). soit. il ne reste alors à mon avis qu'un seul vrai perdant: l'amateur de musique électronique qui passe son temps à se retrouver catégorisé de force. Se dire que même un type aussi zinzin qu'Aphex Twin et un groupe aussi dématérialisé que Boards Of Canada peuvent être les emblêmes éphémères de produits hi-tech me laisse songeur. Cela implique nécessairement qu'un conseiller marketing quelconque a réalisé une étude de marché tendant à prouver que ces musiques correspondent à l'esprit de la marque; et le pire, c'est qu'il a forcément raison. Il nous incombe donc de faire désormais preuve d'une extrême prudence si l'on ne veut pas subir ces incessantes catégorisations: c'est bien d'une hygiène des goûts musicaux que je parle. A nous de faire en sorte de ne pas mériter ce qui nous arrive (à moins qu'on ne le souhaite, ce qui au fond ne doit pas être impossible: l'idée selon laquelle certaines personnes se réjouissent à l'idée de pouvoir dire en public: "je connais cette musique c'est machin chose du label truc", pendant une page de pub par exemple, n'est pas si incongrue, il pourrait même pousser le vice jusqu'à compléter son lifestyle en fonction de ces convergences), en s'efforçant de plébisciter l'irrécupérable, du vraiment nul à l'incompréhensible.
L'alternative, au niveau des artistes, c'est la stratégie de la balle dans le pied: elle désigne toutes les conduites mises en oeuvre pour réduire à néant tout ce qu'un producteur peut posséder de capital symbolique. Je pense au courage d'un groupe comme Tiefschwarz, qui après un remix éblouissant, qui parvient à mettre toutes les pistes de danse d'accord, et une compilation sympathique perpétuant ce plaisir, pond un ignoble album et massacre ce qui aurait dû être leur contrat en or, un remix pour Depeche Mode. Admirable. Saluons également l'audace d'un Tekilatex, qui non content d'être un artiste très en vue sur un label à la légitimité démontrée dans le monde de l'electro s'en va pourrir son image dans une écurie cultivant la médiocrité putassière depuis ses débuts glorieux (Mike Olfield quand même les enfants), et offre à la face du monde ce qui est peut-être le plus mauvais morceau de l'histoire. Merci bonhomme. Il faut parfois savoir se sacrifier pour l'équipe. Daft Punk en sait quelque chose: comment tenter d'endiguer la récupération mercantile après deux albums considérés comme autant de jalons dans la courte histoire de l'electro européenne? En faisant un étron-disque de génie, dont on clamera haut et fort qu'il a été entièrement conçu et produit en moins de trois semaines. Ainsi, les utilisations publicitaires seront toutes désormais teintées de cette nuance de crotte inimitable dont chaque morceau de cet album brille. Cet exemple prodigieux n'est pas resté lettre morte: les compères Boombass et Zdar s'en sont servis pour remédier à cette problématique médaille remise par Donnedieu de Vabres: 15 again est la réponse de Cassius à Human After All: trois semaines de travail miteux à Ibiza, et voilà le merveilleux objet, fleurant bon la fosse septique. Votre premier morceau est un tube si réussi que deux ans après vous n'avez fait qu'un maxi? Faites comme Justice: garnissez le disque de remixes atroces et de versions démo (étiquettées comme telles bien entendu) de morceaux inexistants, et vous aurez la douce assurance que les amateurs d'electro vous auront déjà reniés au moment où Peugeot vous aura rempli les tiroirs de billets verts. A vous de compléter cette liste de héros qui ont choisi de renoncer au prestige musical annonciateur de récupération "corporate" en se tirant tout seul une balle dans le pied. On comprend mieux désormais l'assertion visionnaire de tekilatex: Aphex Twin et Britney Spears=même combat. Bingo: ils nous vendent des merdes similaires, par des chemins différents. Allez, un morceau du prince des tireurs de balle dans le pied: Sébastien Tellier, dont le comportement mystérieux oscille entre abrutissement intégral et oracle hermétique. J'apprécie la façon dont il a forcé son label a tourner deux clips pour le même morceau, La Ritournelle, après avoir, avec la complicité de Mr. Oizo (je l'avais oublié dans ma liste de pubs celui-là), rendu un petit film bizarre (consultable sur le site).

Sébastien Tellier - Broadway (Chicken Lips Remix)

L'autre raison qui m'a fait choisir ce morceau, c'est la présence d'Emperor Machine, en fait la moitié des Chicken Lips, au menu de Slices. Ce remix porte vraiment la patte de ce projet, qui consiste à ressortir ses synthés analogiques pour en tirer des riffs insensés, plus proches du sound design d'un film de science-fiction que des arrangements disco habituels. Le remix garde néanmoins une structure dance music qui fait la part belle aux percussions et offre une ligne de basse monotone mais efficace. Du morceau original les Chicken Lips ont conservé les paroles, et des samples de cuivres et de cordes inattendus mais particulièrement amusants. Ils tirent profit du goût de Tellier pour les orchestrations un brin grandiloquentes, sans en assummer le sérieux. Sur ce fond déjà enthousiasmant, Andy Meecham déploie un panel d'accords de synthétiseur qui ne construisent aucune mélodie mais emmènent le morceau vers des ambiances psychédéliques. Et si vous entendez ce remix dans une pub envoyez moi un mail et je trouverai toutes les raisons qui font de ce morceau une daube infecte.

Je vous embrasse,

jojo.

Le Goût des Zobs

2006-11-23T22:43:00.000+01:00

Salut les amis:
Brancher directement de la musique dans ses organes génitaux: enfin possible. D’autres blogs ont mentionné l’existence très étrange d’Ohmibod, sans repérer certains des aspects les plus fous de cette entreprise. j’ai encore du mal à croire que cet objet est réel. Son utilisation n’est pas cantonnée à la musique électronique, mais force est de constater que leur site s’appuie largement sur une imagerie club. le vibro étant activé par la puissance de la pulsation, je n'ose pas dire la force des beats, on peut aisément comprendre les raisons de cette prédilection. Ceci dit, il faut néanmoins admettre que certaines représentations contribuent également à expliquer cette collusion. Les musiques de club sont considérées comme les outils permettant au dj de faire danser le public, et donc sont souvent associées à des clichés sensuels. On va pouvoir ici affiner l’idée, déjà évoquée, selon laquelle, sans tenir compte de la genèse historique de ces genres, la musique électronique pourrait être considérée comme un instrument de domination, vague et illusoire, des femmes par une minorité masculine. Ohmibod serait une manifestation assez unique des conséquences d’une logique de marketing globale voulant vendre la musique de club comme un produit à finalité érotique, logique dont il faudrait plus longuement étudier le fonctionnement (je me suis toujours demandé pourquoi de nombreux clips et publicités représentant des morceaux de house développaient une vision érigeant les femmes comme destinataires principaux, les danseuses, tout en faisant étalage d’une imagerie hétéro-érotique que l’on suppose destinée à une clientèle masculine; les djs sont des branleurs, soit, mais je me pose des questions: les amateurs de musique électronique utilisent-ils vraiment leur écoute pour se satisfaire manuellement? Toute écoute d’électro suppose-t-elle vraiment comme horizon l’instrumentalisation de cette culture pour copuler, fantasme dont la frustration inévitable ferait de la simple écoute musicale un substitut à la masturbation? L’électro est-elle à la branlette ce que la branlette est au sexe?)
Ohmibod c’est donc l’aboutissement de cela: l’electro comme source directe de jouissance sexuelle, sans métaphore. Ce qui en revanche me semble être le vrai coup de génie de l’entreprise, c’est le maintien de la dimension sociale de l’écoute musicale dans l’utilisation pronée par les créateurs de cet outil. En effet, les clients sont invités à proposer au monde entier leur sélection branlette sous forme de playlist, afin de constituer une base de donnée qui permettra à chacun de choisir avec plus de discernement le type de stimulation qu’il souhaite. Les catégories sont magnifiques (qui ne rêve pas d'une bonne session branlette hip hop "plug'n'thug"?). La connexion des goûts musicaux et de la fesse n'est pas nouvelle, mais s'ouvre désormais à l'horizon global. Il est marrant de constater que la logique de l’orgasme est une métaphore souvent employée pour justifier une construction un peu simpliste caractérisant des morceaux d’electro se contentant de mettre bout à bout des montées en intensité du même motif musical. La quasi intégralité des productions de Vitalic, le deuxième album de Superdiscount, certains remixes de Tiga et plein d’autres morceaux obéissent à ce système. La lecture des playlists d’ohmibod devrait nous renseigner à l’avenir sur l’impact réel de ces travaux en terme de spasmes corporels. Peut-être se développera un rapport à la musique calqué sur les goûts sexuels: on choisirait son programme en fonction du type de plaisir souhaité. Pas sûr qu’on en sache plus à l’arrivée sur les origines de l’un ou l’autre de ces goûts. Il serait même regrettable à l’avenir de devoir lire le top 5 branlette des inrocks avant d’enlever son slip. Peut-être que la distinction, le bon goût, vient de trouver là son ultime marché: faire observer les normes branlette de la société.
Le mp3 du jour devrait, je l’espère, permettre de satisfaire les deux pulsions, sexuelle et intellectuelle:

Snax - My Rug

Ce titre n’est pas extrait du dernier album de Snax, membre de Captain Comatose, mais du précédent. Il offre à mon avis la parfaite combinaison d’un type d’electro old school, basé sur la programmation d’une boîte à rythme accompagnée d’un synthé, avec les ressources de la voix de Snax, poursuivant ses explorations très Prince-iennes du son club. L’intro énigmatique ne dévoile rien de ce que le morceau renferme: un riff de boîte à rythme irresistible, composé de très peu de sons mais parfaitement agencé pour générer les ondulations du bassin recherchées. Snax oscille souvent entre un chant soul et un flow plus abrupt façon hip-hop. Ce morceau me semble aller plus vers cette seconde option, mais dans un style qui exclurait tout couplet pour ne retenir que des “catchphrases” réitérées jusqu’à la fin du morceau. Les différentes pistes de synthé qui habillent progressivement le morceau sont de deux natures: les accords joués avec un maximum de modulation pour atteindre le fort degré d’expressivité voulu, amenant le morceau vers des territoires plus funk, et un fil mélodique qui pose tranquillement une note sur chaque temps et adoucit considérablement le ton du morceau. Les heureux utilisateurs/trices de l’ohmybod peuvent désormais se le mettre où bon leur semble et presser play avec l’assurance de n’envoyer que des pulsations de qualité, estampillés Total Zob dans leurs orifices. Pour les autres, rassurez-vous: on peut toujours tranquillement s’étrangler le paresseux en écoutant ce morceau sur sa chaîne.

Bonne Bourre

jojo

ps: ne ratez pas les Tips & Tricks du site: on y apprend pêle mêle que l’utilisation en voiture est déconseillée à moins d’être passager (ce qui devrait donner naissance à une galaxie de scènes érotiques de plus en plus hi-tech), que l’ohmybod peut se brancher sur tout appareil musical (ils devraient à mon avis proposer un “quadrupleur” minijack pour permettre de brancher deux vibros (vibri?) et deux casques sur une seule source musicale, ce qui accentuerait le côté convivial; à quand les Ohmybod battles au Paris Paris, où chaque client éprouverait physiquement la qualité du dj à sa façon, selon ses possibilités biologiques et ses préférences personnelles?), et même, comble du génie, que le vibro n’implique pas l’écoute musicale, ce qui soulage sans doute ceux qui ne cherchent qu’un simple substitut de bite à se mettre dans le trou sans se faire chier à choisir ce qu’il convient ou non d’aimer pour se tripoter.

Voilà où ça nous mène, la folie des zobs

2006-11-18T04:27:00.000+01:00

Aidez-moi: j'ai l'impression troublante que les deejays nous prennent pour des veaux. il m'est difficile de me souvenir de la dernière fois que je suis sorti en club pour aller voir un bon mix sans ressortir les oreilles défoncées, et de surcroît, un peu dégoûté par la sélection musicale, même de la part d'artistes que j'estime. et la mode récente consistant à faire saturer tous les synthétiseurs ne va pas arranger mon désarroi. Tout se passe, j'imagine, dans la tête des passeurs de disque, comme si, après une heure du matin, le public ne pouvait plus supporter des morceaux au bpm inférieur à 140, et comme si on perdait toute confiance dans la capacité d'un morceau à capter l'attention sans matraquage sonore. Les causes sont trop diverses pour être saisies ici, mais je vais proposer quelques pistes.

Premièrement, le monde des boîtes de nuit étant extrêmement concurrentiel, la qualité du spectacle proposé doit être basée sur l'intensité du "fun" que l'on tente de fournir au client. Les critères de cette intensité étant aussi flous qu'arbitraires, un primat est accordé aux manifestations les plus immédiatement perceptibles: cris, sauts, et autres signes supposés illustrer un sentiment d'abandon de soi. Quand l'on songe à tout ce que la présence dans ces lieux implique comme efforts, en terme de tenue vestimentaire, pouvoir financier, et investissement culturel minimal, au moins pour sélectionner la soirée et être en mesure de produire un discours sur l'offre musicale, ce pseudo-arrachement à soi-même me fait doucement rire. Cette remarque vaut surtout pour les boîtes à programmation spécifiquement électronique, phénomène cantonné aux grandes villes, et par conséquent majoritairement élitiste. Un deuxième champ de réflexion serait la peur du deejay d'être disqualifié pour cause de "linéarité". La nature essentiellement répétitive de la house et de la techno semble en effet se prêter facilement à ce type de reproche. Il est donc tentant de pratiquer une surenchère dans le volume et le rythme. c'est sans doute l'argument le plus simple, mais il me semble néanmoins assez juste. Pour finir, je voudrais esquisser une autre hypothèse; je n'ai aucun moyen d'en tester la réalité, mais si vous avez des témoignages pouvant étayer cette idée, je suis preneur. Voilà l'idée: il y a, à mon sens, un leadership masculin sur le monde de l'électro: la majorité des deejays est composée d'hommes et parmi les amateurs pointus, qui fréquentent les disquaires spécialisés, on trouve plus de garçons que de filles. J'ai toujours eu la sensation que la radicalisation progressive du son avait pour vocation de maintenir dans l'esprit du client un rapport de force entre un mâle dominant, fût-il au contrôle des platines ou accoudé au bar en train d'étaler sa science, et une clientèle féminine, supposée être coeur de cible (je pense à des arguments proches de ceux que Tiga avait proposés pour l'album de Mr. Oizo). C'est ma conviction intime: il y a une fiction perpétuée par beaucoup de deejays qui consiste à se poser en fournisseur d'énergie, à peine diminuée par la médiation des platines, pour maintenir une relation de domination. Tout contre-exemple est le bienvenu: citez moi un club dans lequel on ne ressent par cette inéluctable pression sonore monter passé minuit, et j'achète mon billet de train dans la foulée. Je rêve du club où à trois heures du matin, on écouterait ceci:

Jona - Tizia

Ce morceau n'est ni une nouveauté, ni une rareté. Il me tient néanmoins particulièrement à coeur. Sa construction est si irrésistible que cela laisse pantois, et me fait penser que ce jeune belge pourrait bien devenir le gros phénomène des prochaines années. Ce titre est extrait du maxi éponyme, qui constitue sa deuxième sortie sur le label Get Physical. Je pense que par rapport à ce label deux cas de figure sont envisageables: soit vous le connaissez et avez téléchargé le morceau avant même de lire ce texte, soit vous ne le connaissez pas encore, et, ma foi, vous vous exposez à de merveilleuses découvertes. On découvrira peut-être un jour que ce blog a été créé juste pour parler de tout ce qui touche à Booka Shade. En attendant, réécoutons ce Tizia à la production impeccable, tout en basses rondes et obsédantes, percussions digitales et synthés multi-traités par ordinateur. Jona déroule son thème initial sans jamais dévier de ce style imposé dès l'introduction; le cheminement est agrémenté de coupes aphex-twiniennes, d'anti-breaks (des moments de surcharge d'éléments parasites qui disparaissent soudainement pour laisser réapparaître le morceau), et de riffs de synthé tissant un réseau d'échos au thème central sans jamais tomber dans la guimauve. Allez sur Beatport acheter les autres perles de Jona (mention spéciale à son Tap Stroke EP sur Fumakilla).

je pourrais aussi complètement craquer et proposer un remix disco-house de Demis Roussos, mais ce n'est ni le moment ni le lieu.

bises

jojo

La résurrection a un prix

2006-11-14T12:57:00.000+01:00

En l'occurrence trois premières minutes sous forme de coups de hache assénés au morceau original (un hymne pour pistes d'auto-tamponneuses qui mérite d'être entendu lui aussi), avant d'être relevé d'entre les morts par des sirènes infernales. Cette simple structure est reprise sans complaisance sur les six dernières minutes, qui sont spécialement dédicacées aux zombies.

The Presets - I Go Hard U Go Home (Hell Berlin Mix)
(lien yousendit valable 7 jours)

Dans un autre registre, ce remix de Gavin Russom et Delia Gonzalez par Carl Craig.
Dix minutes de montée, avortée puis relancée, avec ce qu'il faut de variations autour d'une boucle entêtante. Notamment ce piano qui vient en fin de morceau se substituer à des sons jusque là très synthétiques pour mieux les laisser reprendre après la rupture. Amour.

Delia Gonzalez & Gavin Russom - Relevee (Carl Craig remix)
(idem, 7 jours)

Enfin, pour ne pas se contenter de valeurs aussi sûres que Hell et Carl Craig : Elastique remixé par Ivo Deutschmann et Pornbugs.
Un morceau qui pourrait plaire aux amateurs des productions de Patrick Chardronnet, sombre et sautillant à la fois.

Elastique - Satisfaction of Needs (Deutschmann & Pornbugs remix)
(là encore...)

Achtung Zobi

2006-11-13T17:21:00.000+01:00

Les amateurs de musique électronique français lisent peut-être Trax, et peut-être sont-ils comme moi déçus de la décomposition progressive de ce magazine. La critique se fait name-dropping, les article démontrent souvent un travail de recherche limité à trois coups de google, et parfois l'ignorance est érigée en critère de qualité, le dernier numéro en offre un exemple flagrant lors du minuscule encart passant en revue l'incroyable nouvel album de Zombie Nation, réduit au rang de "bonne surprise", parce que le journaliste revendique n'avoir pas spécialement écouté les deux précédents (la présence du single Souls at Zero en point d'orgue du Bugged Out d'Ivan Smagghe n'était apparemment pas suffisante pour extirper ce professionnel consciencieux d'une réflexion bouleversante sur la "nouvelle scène française", ou d'un d'un débat aussi utile que "pour ou contre la techno minimale", pour aller découvrir son opus précédent, Absorber).

Je pourrais ainsi étendre à l'infini la liste des tares (les platitudes sur la folk, le rock, la disparition progressive de toute considération musicale, les retournements de veste éhontés, l'introduction de rubriques extra-musicales, qui tendent à ramener ces genres qui me sont chers à leurs manifestations les plus sociologiquement douteuses, les cautions de prestige attribuées à des "people" du milieu à l'expertise plus que douteuses {je pense en particulier à un blind-test confié à rédacteur de revue spécialisé dans la vie nocturne parisienne ou à l'incroyable encart nous offrant l'opinion de Tekilatex sur Squarepusher, dont il avoue volontiers détester la quasi intégralité des travaux, pour nous proposer par la suite en tant que points culminants de sa carrière les deux titres les plus connus de l'anglais "on ne parlait que de ça avec Paraone et les autres ". mortel.}, j'en passe et des pires) qui criblent cette revue sans vraie concurrence, mais je vais cibler ma déception, que je sais stérile, certains problèmes ont vraiment la peau dure, sur une phrase précise qui va servir d'introduction au mp3 du jour:

Skatebard - Boyvox

Un des hurluberlus de Trax croit dévaluer Skatebard en disant de son disque que "malgré quelques fulgurances, il caresse plus l'oreille qu'il ne l'accroche". Ma foi, voilà une excellente illustration de l'axe Bergkamp/Rool évoqué dans le post précédent. Trax exemplifie avec brio la tendance à une conception traumatique du son, à une culture de l'impressif qui, c'est mon opinion personnelle, ne tient pas la route. On devine que derrière cette conception de l'écoute se cache une interrogation sur l'utilité sociale du disque, de type: "quel profit m'apporte ce disque?, contient-il le morceau que je vais pouvoir utiliser dans ma conversation du soir?, ou encore, me fournit-il, une nouvelle définition de la pop (formule traxienne relevée dans le dernier numéro)". Loin de moi l'idée de critiquer un primat accordé à l'innovation, mais encore faut-il laisser sa chance aux efforts les moins visibles; d'où, à mon avis, le retard systématique pris par Trax sur chaque nouveau mouvement significatif de l'electro.
J'ai découvert Skatebard dans un mix de haute volée exécuté par Michael Mayer (qui distribue l'album via son label), disponible gratuitement grâce à l''émission de radio new-yorkaise Beats in Space (podcastable). J'ai été immédiatement séduit par ce son disco digital, faisant la part belle aux superpositions de boucles tournant sans relâche, quitte à laisser penser que la construction du morceau manque de relief. Le morceau proposé ici joue avec les limites du concept de disco, avec son beat housey résolument midtempo, ultra nonchalant mais accrocheur, et ses harmonies de clavier à la limite de la dissonance, formées de nappes très longues à la hauteur changeante, opérant d'incessants glissements d'une note à l'autre. Même le gimmick vocal fonctionne comme élément plus narcotique que dynamique. On y retrouve malgré tout de vrais motifs de musique de club, en particulier dans les petits breaks qui ponctuent le morceau, achevant de le rendre hybride. Ce type de morceau, volontiers qualifié de "mental", très répétitif et n'utilisant quasiment que du synthétiseur, requiert un type d'écoute très spécifique, et justement Skatebard propose avec humour dans le livret de son disque: "this record is best experienced on a portable music player, on an evening walk in your nearest forest or park". Vous savez ce qui vous reste à faire.

Total Zob: Première

2006-11-10T14:43:00.000+01:00

L'inauguration de ce blog très musical, quoique pas complètement, l'avenir le dira, ne se fera point en feu d'artifice, source de danger que mes lecteurs terriblement avertis connaissent bien. C'est tout en douceur que nous allons commencer notre exploration de la musique, dans ses développements les plus électroniques. Autant afficher mes convictions tout de suite: ce type de son me séduit plus quand il est joué façon Dennis Bergkamp que quand on le matraque façon Cyril Rool. Afin d'illustrer cette brillante métaphore, je vous suggère de vous procurer le morceau finement masqué derrière le lien suivant:

Michoacan - Basshead (Headgames)

Cela faisait longtemps que je ne m'étais pas aventuré dans les dernières livraisons du bon docteur Lektroluv. Bien m'en pris lors de ma dernière incursion dans les méandres de Beatport, puisque je découvris ce petit bijou de l'hispano-americain Michoacan, qui s'inscrit parfaitement dans le renouveau disco qui fleurit depuis quelques années dans le sillage de Metro Area, Lindstrom ou encore Chateau Flight, pour ne citer que des artistes de pays différents. On appréciera la discrétion et le rythme mesuré du beat, le groove mélodieux de la ligne de basse, qui offre l'armature idéale pour développer des séries d'accords de synthétiseur au son si caractéristique de ce mouvement, une sorte de reproduction des synthés vintage des années 70/80, aux différents paramètres parfaitement contrôlés par les outils logiciels les plus récents. La répétitivité du morceau et le travail sur les textures de synthé, avec force effets de vibrato, renforcent une sensation psychédélique qui me pousse à remettre le morceau au début dès qu'il approche ses dernières secondes. J'espère qu'il vous collera aussi durablement aux oreilles.

zoubi

jojo